Copertina dedicata a TEDESCHI TRUCKS BAND, con intervista e approfondimenti. Disco del mese: GARRETT T. CAPPS. Ristampa del mese: DAVID FORMAN. Speciale dedicato a SOUTHLAND TALES - Racconti dell'altro Sud. Interviste a RICH ROBINSON dei BLACK CROWES, QUEEN ESTHER, MICHAEL MONROE degli HANOI ROCKS e CURTIS SALGADO. Recensioni dei nuovi album di YARN, DR.JOHN, COURTNEY BARNETT, JOE JACKSON, CHARLEY CROCKETT, THE MILK CARTON KIDS e moltissimi altri. Come sempre la rivista che non può mancare sul comodino di ogni appassionato di musica!

"questo libro rischia di provocare un secondo olocausto" scrisse all?uscita di portnoy uno studioso generalmente posato come gershom scholem. la profezia fortunatamente non era fatta per avverarsi, ma e difficile negare che da allora il monologo di alexander portnoy abbia investito, e travolto, tutto quanto ha incontrato sul suo cammino. a cominciare dalle abitudini dei lettori, e dalla loro percezione di cosa possa, e soprattutto non possa, raccontare un libro. poi, gran parte delle idee ricevute sui cosiddetti rapporti fra maschi e femmine, su noialtri quaggiu e le varie forme che diamo all?entita lassu. la vertigine comincia subito, quando chi legge pensa di affrontare il resoconto senza censure di una seduta analitica - cosa che, molto piu di quanto si pensi, e vera - e si ritrova in mano un tipo diverso, e almeno altrettanto scabroso, di materiale: quello della standup piu divertente e irrefrenabile mai messa sulla pagina; da cui si esce barcollando, e senza essere certi di volerne veramente uscire. dopo molti anni, e infinite repliche, lo spettacolo aveva pero bisogno di un nuovo allestimento, che qui presentiamo invitandovi alla prima. prima di assumere la sua forma attuale, il materiale di portnoy e stato varie altre cose - fra cui un commento parlato alle diapositive di zone erogene illustri, che kenneth tynan avrebbe voluto inserire nel suo celeberrimo e allora sacrilego musical oh, calcutta! solo dopo lunghi ripensamenti il monologo ha finito per diventare, nel 1969, il quarto libro di philip roth (1933- 2018). quello della sua consacrazione (o sconsacrazione): e anche quello da cui, inevitabilmente, adelphi comincia la pubblicazione di tutte le sue opere.

LP. "Peaches!" dei Black Keys è il quattordicesimo album in studio del duo di Akron (il sesto dal 2019), una raccolta di 10 brani viscerali e grezzi descritta dal cantante Dan Auerbach come il “disco più naturale” della band dal loro debutto nel 2002, "The Big Come Up". Con lo stesso spirito fai-da-te, l'album è stato registrato con tutti i musicisti che suonavano nella stessa stanza con poche sovraincisioni, ed è il primo disco mixato interamente dalla band stessa da "Magic Potion" (2006). Le canzoni scelte riflettono l'ossessiva abitudine di Auerbach e del compagno di band Patrick Carney di collezionare dischi, che negli ultimi anni è degenerata in una serie continua di feste da ballo "Record Hang DJ-set", dove suonano 45 giri vintage per piste da ballo affollate nei locali più cool di tutto il mondo. La copertina di "Peaches!" si basa su un'immagine iconica del fotografo di Memphis William Eggleston e segna il ritorno del fratello di Patrick, Michael Carney, che ha curato la direzione artistica. Edizione limitata in vinile colorato e con adesivo "strofina e annusa" alla fragranza di pesca.

"Peaches!" dei Black Keys è il quattordicesimo album in studio del duo di Akron (il sesto dal 2019), una raccolta di 10 brani viscerali e grezzi descritta dal cantante Dan Auerbach come il “disco più naturale” della band dal loro debutto nel 2002, "The Big Come Up". Con lo stesso spirito fai-da-te, l'album è stato registrato con tutti i musicisti che suonavano nella stessa stanza con poche sovraincisioni, ed è il primo disco mixato interamente dalla band stessa da "Magic Potion" (2006). Le canzoni scelte riflettono l'ossessiva abitudine di Auerbach e del compagno di band Patrick Carney di collezionare dischi, che negli ultimi anni è degenerata in una serie continua di feste da ballo "Record Hang DJ-set", dove suonano 45 giri vintage per piste da ballo affollate nei locali più cool di tutto il mondo. La copertina di "Peaches!" si basa su un'immagine iconica del fotografo di Memphis William Eggleston e segna il ritorno del fratello di Patrick, Michael Carney, che ha curato la direzione artistica.

“The Outlands”, presenta una serie di oltre 100 fotografie scattate da Eggleston tra il 1969 e il 1974 e definisce i temi visivi e il lessico innovativi che l’artista avrebbe continuato a sviluppare nei decenni a venire. L’opera offre un viaggio attraverso il mitico e in continua evoluzione Sud degli Stati Uniti, visto attraverso l’obiettivo dell’artista: colori vibranti e un profondo senso di nostalgia riecheggiano in tutta l’opera mozzafiato di Eggleston. I suoi motivi di segnaletica, automobili e scene di strada creano un’iconografia di panorami americani che ha ispirato una generazione di fotografi. Con la sua approfondita selezione di immagini indimenticabili – una station wagon con pannelli in legno, le portiere spalancate, parcheggiata in un ampio ambiente rurale; la nonna dell’artista nell’atmosfera malinconica della casa di famiglia a Sumner, Mississippi – The Outlands è emblematica della pratica dinamica e sperimentale di Eggleston. L’ampiezza del suo lavoro rivitalizza i suoi paesaggi iconici e delinea una nuova prospettiva sul Sud degli Stati Uniti in transizione.

Matrilineare è il titolo di un disco curato dai C.S.I. nel 1996 in cui, seguendo il filo rosso del matriarcato, si fondevano la musica tradizionale del Coro delle Mondine di Correggio e talenti emergenti come Cristina Donà e Ginevra Di Marco, in un’Italia rurale divisa fra tradizione e modernità. Una provocazione rivolta a un genere che in Italia era declinato quasi esclusivamente al maschile singolare: il cantautorato. Di lì a poco Carmen Consoli avrebbe stupito tutti con il racconto, matriarcale e «in bianco e nero», della sua adolescenza catanese, mentre Nada ricominciava dall’indie, rendendolo strumento di risoluta introspezione femminile. A seguire, il cantautorato elettronico di Meg, quello post-traumatico di Paola Turci, la vittoria di Elisa a Sanremo, la trionfale tripletta di Madame, Ditonellapiaga e Daniela Pes nelle edizioni del Premio Tenco dal 2021 al 2023.

Conquiste significative, ma il cantautorato continua a soffrire di un sostanziale gender gap: negli anni ’70 e ’80 in Italia sono emerse grandissime interpreti dalle personalità potenti, innovative e di rottura, ma pochissime cantautrici, spesso osteggiate dall’establishment: di quel drappello di pioniere, alcune, come Rettore o Jo Squillo, sono state ridisegnate showgirl dall’immaginario collettivo, altre, come Nannini, Alice, Berté, sono state prese per interpreti pure. La maggior parte si è vista relegare ai margini dei circuiti promozionali.
Pardo ricostruisce la storia del cantautorato femminile italiano, disseminato tanto di ostacoli quanto di gioielli di pensiero divergente, matrilineare appunto. Attraverso interviste alle protagoniste (Nada, m¥ss keta, Donatella Rettore, Cristina Donà, Margherita Vicario e molte altre), quello che viene fuori è un panorama vivacissimo, di resistenza e lotta, creatività e ricerca di spazi per esprimersi.

L' Atlante mondiale dell'architettura del XX secolo", strumento unico nel suo genere, contiene in un solo volume più di 750 tra i più importanti progetti realizzati tra il 1900 e il 1999. Un compendio mondiale dell'architettura del XX secolo senza precedenti, che presenta i canoni universalmente riconosciuti in una nuova prospettiva. Presenta il lavoro di architetti noti in tutto il mondo accanto a progetti di pionieri locali. Include ogni tipo di edificio, dalle abitazioni più piccole fino a progetti utopistici di edilizia privata, sedi di governo e università di recente fondazione. Ogni progetto è stato selezionato da un comitato di esperti con il contributo di oltre 150 specialisti originari di ciascuna regione geografica. Contiene mappe realizzate ad hoc e grafici che interpretano e analizzano i cambiamenti della situazione mondiale in ambito architettonico durante il XX secolo. Indici dettagliati permettono riferimenti incrociati, confronti dei dati presentati, e forniscono informazioni aggiuntive sugli architetti.

Rimasterizzato da Steven Wilson - BluRay - Dolby Atmos Mix. 5.1 Surround Mix 96kH2/24 Bit DTS HD MA. 75 minuti, regione 0

3CD/Blu-Ray. Ristampa in edizione di lusso del quarto album della band californiana, l'ultimo realizzato nel 1975 dalla formazione originale, che comprende la rimasterizzazione del disco originale e un concerto inedito registrato allo Stadio di Annheim il 28 settembre 1975. Il Blu Ray include l'album originale e il concerto in alta risoluzione audio e Atmos.

3LP. Ristampa in edizione di lusso del quarto album della band californiana, l'ultimo realizzato nel 1975 dalla formazione originale, che comprende la rimasterizzazione del disco originale con un nuovo mixaggio stereo e un concerto inedito registrato allo Stadio di Annheim il 28 settembre 1975.

Una raccolta ragionata dei migliori esempi di illustrazione fantasy e di fantascienza dell'epoca d'oro, quella degli anni settanta, in cui questo stile appariva dovunque, dalle copertine dei libri alle copertine degli album rock.

Cresciuto a Shreveport in Louisiana ma sempre orbitato fra il Texas e Manhattan, John Campbell fu una delle figure centrali del blues revival dei primi anni '90 con un peculiare intreccio di Delta blues, frustate rockiste e dirompenti ondate di slide. Le registrazioni inedite di questo disco effettuate in due sessions presso un'emittente radiofonica olandese risalgono al suo periodo più ispirato, quando pubblicò il capolavoro One Believer e il sulfureo Howlin' Mercy. Equipaggiato solo della propria voce e di tre diversi modelli di chitarra, Campbell esegue prima cinque e poi quattro canzoni, dando una dimostrazione pratica di come a lui non occorressero pletore di strumenti o alti voltaggi per esprimere tutta la tenacia, la robustezza, il dolore e la dolcezza di cui è intrisa la musica che deriva dall'esperienza e dalla vita vissuta. 2 Meter Sessions non è solo il miglior disco di blues in senso lato in cui ci si possa imbattere in questo 2026, ma una testimonianza d'incontenibile talento artistico come non è più dato sentire ai giorni nostri,.

c?e un posto, a new york, che chiamano goodbye hotel, perche e l?ultimo rifugio di chi, per ragioni diverse, si e allontanato dal mondo e nel mondo non vuole (o non puo) piu tornare. li, mentre una nevicata "ipnotica" cade sulla citta, francois siede davanti al fuoco, stappa una bottiglia di vino da quattro soldi e inizia a scrivere la sua storia. vuole metterci a parte di un avvenimento capitato venticinque anni prima, ma soprattutto raccontarci quello che sarebbe potuto succedere e - forse - e successo davvero. ha a disposizione solo "un pezzetto di verita", che certo non basta a colmare tutti i vuoti. la sua voce, carica di un?antica sofferenza, ci trasporta ancora una volta a harmony, un?anonima cittadina del sud degli stati uniti, dove ogni sera "si confonde con un milione di altre sere" e i giovani sono "destinati a perdersi" ma non smettono di desiderare "l?impossibile". dove "non c?e differenza fra chi e amato e chi non lo e", perche "tutti si sentono soli, con addosso la maledizione di un vuoto americano che gli cresce dentro". eppure, come sanno i lettori di l?ultima cosa bella sulla faccia della terra, harmony e anche un crocevia dove il destino da appuntamento alle sue vittime ignare: in questo caso due ragazzi innamorati e un misterioso uomo con un completo di seersucker, che in una notte di fine estate si incontrano sotto lo sguardo benevolo e saggio di lazarus, una tartaruga dai poteri chiaroveggenti, indimenticabile protagonista del romanzo. perche nell?universo di michael bible il passato puo facilmente diventare futuro e viceversa; come in un sogno di david lynch, a una dimensione della realta ne corrispondono infinite altre, parallele e comunicanti. non ci resta quindi che abbandonarci al ruolo di testimoni involontari e accettare che la verita a volte risulti inaccessibile, protetta da un guscio di bugie e inganni simile a quello di una testuggine centenaria.

La performance della James Harman Band alla SLO Vet's Hall nel gennaio 2000 vede finalmente la luce del giorno! James Harman - il venerato Maestro del blues dell'armonica californiana - era al suo apice allora. Il giovane Nathan James - uno straordinario chitarrista, ricco di finezza e sentimento - aveva solo 21 anni, anche se il suo tocco magico mascherava la sua età. La sezione ritmica è compatta,, immacolata, offrendo un ritmo potente e agile in tutto. Questa è musica superiore e anche di grande qualità sonora. 9 tracce, 70 minuti di musica senza tempo da un leader e una band che hanno fatto la storia nel campo blues.

Germania/USA 1999. 101 minuti. Documentario.

I dischi in vinile sono ancora oggi oggetti sonori ambitissimi per chiunque, dall'audiofilo piu accanito al neofita in cerca di vecchie o nuove emozioni. questo libro è un compendio ideale per entrambe le categorie o, più in generale, per ogni appassionato di musica degno di questo nome. Scritto da affermati giornalisti pop rock anglo americani, storici del settore e tecnici qualificati a livello mondiale, il volume è impreziosito da un ricco impianto fotografico che illustra efficacemente tutti i capitoli. Una sezione dedicata all'italia completa il tutto e fa capire come, anche nel nostro paese, la "vinilmania" sia tutt'altro che una moda passeggera.

Con il settimo album di studio, la band californiana torna a incantare con la consueta eleganza. Il duo formato da Kenneth Pattengale e Joey Ryan ha saputo traghettare il folk verso il grande pubblico grazie a un'impronta chitarristicainconfondibile e armonie vocali celestiali. Il nuovo album è un disco delicato e di straordinaria caratura emotiva: un'opera preziosa lontana dalle mode e dal mainstream, capace di emozionare un pubblico sempre più vasto attraverso la pura bellezza della semplicità.

LP. Con il settimo album di studio, la band californiana torna a incantare con la consueta eleganza. Il duo formato da Kenneth Pattengale e Joey Ryan ha saputo traghettare il folk verso il grande pubblico grazie a un'impronta chitarristicainconfondibile e armonie vocali celestiali. Il nuovo album è un disco delicato e di straordinaria caratura emotiva: un'opera preziosa lontana dalle mode e dal mainstream, capace di emozionare un pubblico sempre più vasto attraverso la pura bellezza della semplicità.

2CD. Il diciottesimo album della cantante e pianista americana viene descritto dall'autrice come una storia metaforica sulla lotta della democrazia sulla tirannia, che riflette l'attuale aberrante situazione in America". È un lavoro narrativo di 17 tracce che sonorità orchestrali, pop e atmosfere che ricordano Boys for Pele. Ammirata per aver costruito una carriera multiforme e unificante, caratterizzata da un attivismo tenace e da una musicalità unica, questo nuovo lavoro continua la sua inconfondibile
tradizione narrativa. È un potente viaggio di resilienza e risveglio, in cui la ricerca della libertà incontra forze che cercano di controllarci e metterci a tacere.

2LP. Il diciottesimo album della cantante e pianista americana viene descritto dall'autrice come una storia metaforica sulla lotta della democrazia sulla tirannia, che riflette l'attuale aberrante situazione in America". È un lavoro narrativo di 17 tracce che sonorità orchestrali, pop e atmosfere che ricordano Boys for Pele. Ammirata per aver costruito una carriera multiforme e unificante, caratterizzata da un attivismo tenace e da una musicalità unica, questo nuovo lavoro continua la sua inconfondibile
tradizione narrativa. È un potente viaggio di resilienza e risveglio, in cui la ricerca della libertà incontra forze che cercano di controllarci e metterci a tacere.

Non ci sono molti artisti che pubblicano due nuovi album all’anno, e ancora meno lo fanno entro tre mesi, ma Marc Broussard non è uno come tanti e le idee e l'ispirazione non gli mancano. Il nuovo ‘Chance Worth Taking’ conntiene 14 inediti brani prevalentemente co-scritti dal cantante con il bassista Calvin Turner, conferma che l’etica del lavoro e la creatività di Brossard sono ben oliate. L'album presenta atmosfere blues sfumate di soul con ospiti come Joe Bonamassa, Joe Smith e Trombone Shorty. Il soul dagli occhi azzurri non è mai sembrato tanto blues.

Young the Giant è una rock band californiana, nota per esibizioni dal vivo di grande impatto e un sound che fonde voci di alto livello, un complesso intreccio strumentale e lirismo introspettivo. Victory Garden è un album sull'empatia fra esseri umani, sulla lotta tra la vita e la morte, sull'amore contro la paura cercando di affrontare un mondo difficile con gli occhi dei nostri figli. Victory Garden è così un'ode a tutto ciò che è umano e bello.

LP. Young the Giant è una rock band californiana, nota per esibizioni dal vivo di grande impatto e un sound che fonde voci di alto livello, un complesso
intreccio strumentale e lirismo introspettivo. Victory Garden è un
album sull'empatia fra esseri umani, sulla lotta tra la vita e la morte, sull'amore contro la paura cercando di affrontare un mondo difficile con gli occhi dei nostri figli. Victory Garden è così un'ode a tutto ciò che è umano e bello.

Quando juan cabrillo prova a catturare il capo del piu spietato cartello messicano, la delicata operazione sfocia in una tragedia e un membro dell?equipaggio dell?oregon perde la vita. accecato dal desiderio di vendetta cabrillo ne fa una questione personale ma, mentre il piano dell?oregon e in atto, diventa sempre piu chiaro che il contrabbando di armi e droga e solo la punta di un iceberg. la vera minaccia e costituita da pipeline, una vasta organizzazione criminale i cui ruoli ai vertici si tramandano di padre in figlio da generazioni. un passaggio di consegne che non ha fatto altro che moltiplicare avidita e rancore, in una spirale di violenza che dura da decenni, e che ormai tiene sotto scacco l?umanita: pipeline infatti ha il dito sul grilletto di un?arma letale in grado di radere al suolo intere citta. solo cabrillo e l?oregon possono sventare il rischio di una terza guerra mondiale, mettendo le mani sull?arma prima che il conto alla rovescia raggiunga lo zero

questo libro indaga innanzitutto i conflitti e i tormenti che caratterizzano il rapporto tra fratelli e sorelle. il primo moto che orienta questo rapporto non e, infatti, quello della fratellanza o della sorellanza ma quello dell?odio e dell?inimicizia. con la nascita di un fratello o di una sorella la nostra vita si trova esposta al regime plurale del due, all?impossibilita di essere un uno indiviso. e la prima tendenza pulsionale dell?umano non e quella di accogliere il due, ma quella di respingerlo, di negarne l?esistenza. non puo allora essere la natura - la sostanza del sangue - a fondare un legame di fratellanza o di sorellanza. i fratelli e le sorelle rischiano sempre il conflitto aperto, la lotta senza esclusione di colpi, l?aggressivita inesausta di una rivalita invidiosa e gelosa che sembra non conoscere alcuna pacificazione possibile. come si puo allora divenire fratelli e sorelle al di la del mito della consanguineita? come si realizza una fratellanza e una sorellanza che non siano preda dell?odio, dell?invidia o della rivendicazione aggressiva? e possibile realizzare un legame solidale discreto senza la pretesa che tutto sia condiviso, senza annullare l?esistenza separata dell?altro, senza voler a tutti i costi costringere il reale del due dentro il recinto chiuso dell?uno? il sangue non e la sostanza della fratellanza.

Aveva quattordici anni smita quando con la sua famiglia ha dovuto lasciare l`india in circostanze drammatiche. una volta al sicuro in america, ha scacciato dal cuore la nostalgia per i crepuscoli aranciati e il profumo inebriante dei cibi che il padre le comprava dai venditori ambulanti e giurato a se stessa che mai piu` sarebbe tornata in quei luoghi che l`avevano cosi` profondamente ferita. ma anni dopo si ritrova a dover accettare con riluttanza l`incarico di coprire una storia di cronaca a mumbai, per il suo giornale. seguendo il caso di meena - una giovane donna sfigurata brutalmente dai suoi fratelli e dai membri del suo villaggio per aver sposato un uomo di un`altra religione - smita si ritrova di nuovo faccia a faccia con una societa` che appena fuori dallo skyline luccicante delle metropoli le pare cristallizzata in un eterno medioevo, in cui le tradizioni hanno piu` valore del cuore del singolo, e con una storia che minaccia di portare alla luce tutti i dolorosi segreti del suo passato. eppure, a poco a poco le sue difese cominciano a vacillare, i ricordi a riaffiorare e la passione a fare nuovamente breccia in lei... sullo sfondo di un meraviglioso paese sospeso tra modernita` e oscurantismo, in un crescendo di tensione, due donne coraggiose e diversamente ribelli si confrontano con le conseguenze di due opposti concetti di onore e di liberta`, in una storia indimenticabile di tradimento, sacrificio, devozione, speranza e invincibile amore.

Long Long Road, il nuovissimo album di Ringo Starr, è stato scritto e prodotto da T Bone Burnett insieme a Daniel Tashian e Bruce Sugar. Contiene 10 splendidi brani che includono collaborazioni con Billy Strings, Molly Tuttle, Sheryl Crow e St Vincent.
È l'attesissimo seguito di Look Up, album che a svettato nelle classifiche dello scorso anno. Con solide radici nel country, Long Long Road unisce una rilassante atmosfera americana alle radici rock di Ringo con canzoni che parlano dei molti viaggi della vita e della ricerca dell'amore lungo il percorso.

Long Long Road, il nuovissimo album di Ringo Starr, è stato scritto e prodotto da T Bone Burnett insieme a Daniel Tashian e Bruce Sugar. Contiene 10 splendidi brani che includono collaborazioni con Billy Strings, Molly Tuttle, Sheryl Crow e St Vincent.
È l'attesissimo seguito di Look Up, album che ha svettato nelle classifiche dello scorso anno. Con solide radici nel country, Long Long Road unisce una rilassante atmosfera americana alle radici rock di Ringo con canzoni che parlano dei molti viaggi della vita e della ricerca dell'amore lungo il percorso.

Tra le occasioni perdute del rock, gli inglesi Dry Ice occupano una posizione di rilievo. Registrato nel 1969, l'unico e omonimo album del gruppo è rimasto congelato per quasi 50 anni, vittima di un destino contrattuale avverso e è riemerso solo nel 2018. Lontani dalle radici puriste del blues britannico, i Dry Ice eronoo un quintetto dalla spiccata sensibilità psichedelica. La band catturò in studio l'energia della Swinging London, unendo raffinatezza melodica e potenza elettrica. La musica, tra armonie e feedback, è un caleidoscopio di suoni che riflettono il passaggio dalla psichedelia floreale al vigore dell'hard rock anni settanta.

Scritto dopo La vegetariana e definito dalla stessa autrice «quasi un suo lieto fine», L’ora di greco si insinua ? avvolto in un bozzolo di apparente semplicità ? nella mente del lettore, come un «assurdo indimostrabile», una voce limpida e familiare che arriva da un altro pianeta.

Saltando da un treno all'altro come fosse un nuovo Jimmie Rodgers, Benjamin Tod è diventato un cantautore country dalle tante sfaccettature. Abbandonata la vecchia band e raccolti attorno a se gli Inline Six, Tod ha realizzato un disco che contiene 10 brani, ciascuno dei quali eseguito sia con la band al completo sia in versione solista, spartana, spogliata di ogni strumento tranne una chitarra. La vendetta arriva a colpi di decise sciabolate di violino e pedal steel, la voce combatte greve e risoluta per far posto alla pace del perdono, una grazia che arriva sussurrata e conciliante annunciata da versoi disadorni come una stanza vuota eppure carichi di umanità.

Col suo tocco elusivo, la prosa scabra di Han Kang sfiora ancora una volta l'orrore senza spiegarlo e ci lascia, attoniti, a contemplare la disturbante malìa del rifiuto di sé.

Area 1 Usa. 93 minuti. Diretto da Brent Wilson, Long Promised Road è un rocumentario di un'ora e mezza in cui il leader dei Beach Boys parla della sua carriera straordinaria, interrogato dal giornalista di Rolling Stone Jason Fine. Bruce Springsteen, Elton John, Jim James dei My Morning Jacket, Nick Jonas dei Jonas Brothers, l'ex compagno di band Al Jardine e altri, tra fan, colleghi e testimoni d'epoca contribuiscono al ritratto arricchito da materiali d'archivio, mai visto sino ad oggi.

La scrittura cristallina di Han Kang esplora la conturbante bellezza delle forme di rinuncia più estreme, accompagnando il lettore fra i crepacci che si aprono nell'ordinario quando si inceppa il principio di realtà - proprio come avviene nei sogni più pericolosi.

Han Kang, con il terso, spietato lirismo della sua scrittura, scruta tante vite dilaniate, racconta oggi l’indicibile, le laceranti dissonanze di un passato che si voleva cancellato.

Middle of Nowhere, il sesto album in studio di Kacey Musgraves, prodotto dalla stessa Kacey insieme a Daniel Tashian e Ian Fitchuk, attinge ai suoni, alle storie e alla sensibilità che hanno plasmato l'artista texana. Un cartello nella minuscola cittadina di Golden, in Texas, un piccolo centro abitato senza semafori e con meno di 300 abitanti, con la scritta "Golden, TX: Somewhere
in the Middle of Nowhere", ha ispirato la title track e il filo conduttore simbolico dell'album, alludendo a qualcosa di più profondo e sfaccettato.

LP. Middle of Nowhere, il sesto album in studio di Kacey Musgraves, prodotto dalla stessa Kacey insieme a Daniel Tashian e Ian Fitchuk, attinge ai suoni, alle storie e alla sensibilità che hanno plasmato l'artista texana. Un cartello nella minuscola cittadina di Golden, in Texas, un piccolo centro abitato senza semafori e con meno di 300 abitanti, con la scritta "Golden, TX: Somewhere
in the Middle of Nowhere", ha ispirato la title track e il filo conduttore simbolico dell'album, alludendo a qualcosa di più profondo e sfaccettato.

Il personaggio di Nora nasce dalla fascinazione scaturita dal ritratto La piscinina di Emilio Longoni, pittore divisionista che poi verrà bollato come difensore degli anarchici e che Montemurro trasforma in personaggio chiave del romanzo. Una commovente storia di amicizie e di amori si svolge mentre, in una Milano povera e scossa dalle agitazioni popolari, Nora organizzerà il primo sciopero femminile di minorenni, le piscinine, bambine e adolescenti sfruttate nel mondo delle modiste, sarte e opifici tessili.

La pluripremiata vocalist Gabrielle Cavassa debutta a suo nome su etichetta Blue Note: Diavola è un album che svela la sua versatilità come bandleader, autrice e soprattutto interprete coraggiosa, in grado di affrontare repertori molto lontani da loro (e quello italiano – cantato nella nostra lingua, con seducente accento brasiliano – fa la parte del leone: c’è anche Luigi Tenco) con grande rispetto e sensibilità. Co-prodotto da Joshua Redman e Don Was, Diavola è una raccolta di brani originali e magnifici arrangiamenti affidati ad un cast straordinario: Jeff Parker alla chitarra, Larry Grenadier al contrabbasso, Brian Blade alla batteria, Paul Cornish al pianoforte e il già menzionato Joshua Redman al sassofono tenore.

Affiancabile ai dischi di Emma Jean Thackray e Mei Semones usciti lo scorso anno, il nuovo album della batterista, tasteirista, vibrafonista e cantante nippo-britannica è un'eccentrica sberla di bellezza che va oltre i canoni del jazz rientrando in quella new wave che sta squotendo la Lonjdra degli ultimi anni.

A questo quarto pannello della sua epopea letteraria e civile Scurati affida il gigantesco affresco dell'Italia fascista sui fronti del secondo conflitto mondiale, degli errori, degli orrori e dell'eroismo ancora possibile per uomini e donne reduci da vent'anni di dittatura. E tratteggia il ritratto al nero di un uomo di fronte al destino che ha plasmato per sé e per un'intera nazione, solo all'incrocio tra il parallelo del crepuscolo e un meridiano di sangue.

Non esiste un'età senza paura. Siamo fragili sempre, da genitori e da figli, quando bisogna ricostruire e quando non si sa nemmeno dove gettare le fondamenta. Ma c'è un momento preciso, quando ci buttiamo nel mondo, in cui siamo esposti e nudi, e il mondo non ci deve ferire. Per questo Lucia, che una notte di trent'anni fa si è salvata per un caso, adesso scruta con spavento il silenzio di sua figlia. Quella notte al Dente del Lupo c'erano tutti. I pastori dell'Appennino, i proprietari del campeggio, i cacciatori, i carabinieri. Tutti, tranne tre ragazze che non c'erano piú.

USA 1976. 109 minuti. Con Robert De Niro, Jodie Foster, Albert Brooks, Harvey Keitel.

2LP. Da sei anni assente dalle scene, Terry Allen torna con un disco collettivo che coinvolge buona parte della sua famiglia oltre ai fratelli Sexton, a Jono Manson e a Lloyd Maines. Non tutto ha lo stesso standard compositivo del capostipite, ma alla fine è un progetto curioso e artistico che oscilla tra atmosfere di frontiera, ballate evocative e sfumature blues.

L'informazione non è la materia prima della verità, ma non è nemmeno una semplice arma. Nexus esplora la speranzosa via di mezzo tra questi estremi e la riscoperta della nostra comune umanità.

USA 1967. 101 minuti.

Italia 1961. 121 minuti. Con Franco Citti, Franca Pasut, Silvana Corsini, Elsa Morante, Adele Cambria.

LP. Smoke And Mirrors dei Green Seagull è un viaggio luminoso nel mondo del rock psichedelico barocco, un disco che unisce la sensibilità melodica degli anni ’60 a una acutezza e una sicurezza di sé tipicamente contemporanee. Fin dai primi secondi di «Millions Of People», il quartetto crea un universo ricco di armonie stratificate e chitarre tintinnanti. Le linee di chitarra intrecciate di Dan Davies e Paul Nelson intrecciano un jangle raffinato e la complessità del chamber-pop, mentre la sezione ritmica composta dalla batteria di Elian Dalmasso, dal basso di Paul Milne e dalle tastiere di Sarah Gonputh fornisce una base vivace ma solida. Un disco con molti rimandi al passato, ma fresco e godibilissimo.

USA 2017. 126 min. Con Armie Hammer, Timothee Chalamet, Michael Stuhlbarg.

Da sei anni assente dalle scene, Terry Allen torna con un disco collettivo che coinvolge buona parte della sua famiglia oltre ai fratelli Sexton, a Jono Manson e a Lloyd Maines. Non tutto ha lo stesso standard compositivo del capostipite, ma alla fine è un progetto curioso e artistico che oscilla tra atmosfere di frontiera, ballate evocative e sfumature blues.

LP. La pluripremiata vocalist Gabrielle Cavassa debutta a suo nome su etichetta Blue Note: Diavola è un album che svela la sua versatilità come bandleader, autrice e soprattutto interprete coraggiosa, in grado di affrontare repertori molto lontani da loro (e quello italiano – cantato nella nostra lingua, con seducente accento brasiliano – fa la parte del leone: c’è anche Luigi Tenco) con grande rispetto e sensibilità. Co-prodotto da Joshua Redman e Don Was, Diavola è una raccolta di brani originali e magnifici arrangiamenti affidati ad un cast straordinario: Jeff Parker alla chitarra, Larry Grenadier al contrabbasso, Brian Blade alla batteria, Paul Cornish al pianoforte e il già menzionato Joshua Redman al sassofono tenore.

Feltrinelli, 2026. C’è stata un’Italia che ha scoperto il rock come una rivelazione, che ha imparato l’inglese sui testi delle canzoni e che sognava di vivere in un mondo fatto di musica, parole e libertà. È l’Italia di un ragazzo che cresce in provincia negli anni ’60, ascolta i Beatles alla radio, si innamora di Dylan, scopre Zappa, scrive le prime fanzine e capisce che la musica può essere una bussola per orientarsi nel mondo. Dai pomeriggi passati nei negozi di dischi alle notti delle radio libere, dai viaggi verso Londra e Parigi ai festival jazz e rock che cambiano il modo di ascoltare, Riccardo Bertoncelli narra una storia di formazione, di amicizie, di errori, di entusiasmi assoluti. È il ritratto di un’epoca irripetibile, in cui l’uscita di un album si aspettava con ansia, le canzoni si ascoltavano fino a consumare la testina del giradischi e le parole avevano ancora un peso. Con ironia e tenerezza, Bertoncelli ricompone quel mondo in un memoir che è al tempo stesso confessione e racconto collettivo: Abitavo a Penny Lane è una lettera d’amore al rock e alla giovinezza, scritta da chi ha vissuto quella stagione con passione contagiosa. Un libro per chi c’era e per chi avrebbe voluto esserci. E per chi ancora oggi cerca nei dischi – o nei libri – qualcosa che somigli a una promessa di libertà. La musica come passione, identità, rivoluzione: il memoir di una vita vissuta a tempo di rock. Un viaggio ironico e affettuoso nella colonna sonora di una generazione.

USA 1999. 153 min. Con Tom Cruise, Nicole Kidman.

2LP. Il primo classico album ristampato in vinile 180gr bianco a 45 giri. Copertina apribile.

Svezia 1957. 91 minuti. Con Gunnar Bjornstrand, Ingrid Thulin, Bibi Andersson.

Le Snocaps sono il progetto delle sorelle Katie (nota come Waxahatchee) e Allison Crutchfield con il chitarrista MJ Lenderman e il multistrumentista Brad Cook. La band suona dell'ariosa Americana con fragranti melodie pop e sfumature country.

L'ultimo inedito di Michela Murgia.

Questa è la storia della passione che prima unisce e poi divide un fratello e una sorella. Una storia che parla di decisioni prese ascoltando la mente o il cuore oppure tutti e due. di quell`istante che può cambiare una vita intera. ma anche di un'Italia che, incredula, sta scoprendo un improvviso benessere, che lavora alla catena di montaggio e poi canta con mina e balla al ritmo del twist, giovane, creativa, impaziente...

2LP, 180gr. Ristampa espansa e rimasterizzata.
Gli Yes ripropongono il loro mini-album del 2019 con questo doppio album ampliato di 15 tracce, che include i 4 brani originali insieme a versioni alternative e demo di brani scritti durante quelle sessioni, molti dei quali sarebbero poi apparsi nel successivo album della band, *Fly From Here*. Include i 4 brani originali più alternate version e demo.

USA 2023. 151 minuti. Con Cate Blanchett, Noemie Merlant, Nina Hoss, Sophie Kauer.

Area 0, 60 minuti. Gregg Allman dal vivo, registrato a The Cannery, Nashville, Novembre 1988. Con Gregg sono sul palco: David Toler, Bruce Waibel, Chaz Trippy, Tim Heding e l'ax Allman Bros Dan Toler. Un concerto classico, tra brani blues, cover e canzoni degli Allman. One Way Out, Statesboro Blues, I'm No Angel, Demons, Don't Want You No More, Sweet Feeling, It's Not My Cross to Bear, Slip Away ed altre. Qualità udio-video eccellente.

«Smoke And Mirrors» dei Green Seagull è un viaggio luminoso nel mondo del rock psichedelico barocco, un disco che unisce la sensibilità melodica degli anni ’60 a una acutezza e una sicurezza di sé tipicamente contemporanee. Fin dai primi secondi di «Millions Of People», il quartetto crea un universo ricco di armonie stratificate e chitarre tintinnanti. Le linee di chitarra intrecciate di Dan Davies e Paul Nelson intrecciano un jangle raffinato e la complessità del chamber-pop, mentre la sezione ritmica composta dalla batteria di Elian Dalmasso, dal basso di Paul Milne e dalle tastiere di Sarah Gonputh fornisce una base vivace ma solida. Un disco con molti rimandi al passato, ma fresco e godibilissimo.

Il giovane attore Rainer e il cinico scrittore Alessio Valli sono i protagonisti di una love story maledetta che non può non sfociare in una deriva cruenta. Un delitto geniale che elimina un ignaro avversario (quel terzo che non manca mai in una storia d’amore) e un sadico progetto per porre fine a un dolore insostenibile e punire il colpevole morale del dramma. A narrare la vicenda, in uno stile impeccabile è, come nel mitico film Viale del tramonto, il dead man, uno di quegli antieroi che Dio accompagna alla meta con la mano sinistra. Nei romanzi di Silvio Raffo, stilisticamente segnati da una forte empatia con la dimensione poetica, il nucleo centrale è costituito da un amore impossibile. Qui il connubio romantico di Amore e Morte tocca il suo vertice, in un thriller minuziosamente costruito secondo la miglior scuola del giallo classico.

USA 1941. 120 minuti. Questa edizione è di 6DVD perché comprende anche King Kong di Schoedschak e Cooper (1933), Il sospetto di Hitchcock (1941), Il massacro di Fort Apache di Ford (1948), Il bacio della pantera di Lewton (1942) e Notre Dame di Dieterle (1939).

Fedele a una ricetta che combina rock'n'roll, soul, blues e country, la cantante e tastierista di origini texane ma residente a Los Angeles confeziona un altro buon lavoro con i suoi Rhythm Tramps. Per fornire qualche coordinata, James e i suoi si muovono in un territorio affine a quello di colleghi come Marcia Ball o Delbert McClinton suonando una musica magari poco appariscente ma di indubbio gusto.

LP. Ristampa del classico album della band di Jarvis Cocker.

Secondo album per l'infuocato organ trio formato da Jimmy James (True Loves), Adam Scone (Scone Cash Players, The Sugarman 3) e Tim Carman (Canyon Lights, ex GA-20). Uno splendido compendio strumentale di tutto ciò che ruota attorno al funk, con forti dosi di groove e grande calore, ed una band al top della forma.

LP. Ristampa rimasterizzata del classico funk della band di george Clinton. edizione limitata con copertina apribile.

2CD. Ristampa espansa e rimasterizzata.
Gli Yes ripropongono il loro mini-album del 2019 con questo doppio album ampliato di 15 tracce, che include i 4 brani originali insieme a versioni alternative e demo di brani scritti durante quelle sessioni, molti dei quali sarebbero poi apparsi nel successivo album della band, *Fly From Here*. Include i 4 brani originali più alternate version e demo, un set di cards e un poster a doppia facciata.

2LP. The Great Divide, il nuovo attesissimo album di Noah Kahan, due volte candidato ai Grammy, prodotto con Gabe Simon e Aaron Dessner.
La capacità di Kahan di raccontare con sincerità la sua attuale situazione di vita è un punto di forza ben consolidato che emerge chiaramente in questo album, mentre descrive com’è realmente quando un disco ti cambia la vita — nel bene e nel male. Nei 17 brani di Across The Great Divide, Kahan riflette su come il successo abbia influenzato il suo rapporto con se stesso, la sua famiglia e gli amici, e persino con il suo stato natale, il Vermont — ed esplora con dettagli avvincenti il disagio di quella disconnessione.
"Da un lungo silenzio si forma una frattura, una grande distesa che reclama attenzione. La fisso dall’altra parte. Vedo vecchi amici, mio padre, mia madre, i miei fratelli, me stesso da giovane, il grande Stato del Vermont. Vorrei urlare questi sentimenti, gesticolare freneticamente verso le figure dall’altra parte, ma la mia voce si è fatta rauca e smorzata dopo anni passati a scalare una scala verso i sogni selvaggi e vorticosi che si sono materializzati davanti a me. Invece, li ho scritti accanto a un pianoforte a Nashville, accanto a uno stagno a Guilford nel Vermont, in uno studio leggendario nello Stato di New York, in una fattoria con una torre di avvistamento a Only, nel Tennessee. Le canzoni sono le parole che direi se potessi. Sono le paure con cui danzo nei momenti prima di scivolare nel sonno. La musica qui è il mio miglior tentativo di scavare più a fondo nelle persone, nei luoghi e nei sentimenti che mi hanno reso ciò che sono. Sono grato per tutto questo, per tutti voi, per averle ascoltate, se avete scelto di farlo."

«Coin Collection 3» è l’album conclusivo della trilogia «Coin Collection» di Spencer Cullum (2021, 2023) – una serie che ha caratterizzato la sua carriera solista, nata dal bisogno di riconnettersi con il luogo da cui proviene e con le influenze che hanno plasmato la sua identità odierna; una piattaforma dedicata tanto al suo talentuoso entourage quanto al suo stesso genio.

Una collezione caleidoscopica di folk, jazz e pop, Coin Collection 3 è stata realizzata con registrazioni sul campo su nastro, note vocali su iPhone e registrazioni grezze in studio effettuate in tutto il mondo, il tutto assemblato su cassetta dalla comodità della sua casetta da giardino appositamente costruita.

Per dare un senso a tutto, dalla crisi climatica al capitalismo in fase avanzata, il musicista si è rivolto al folklore della sua nativa Inghilterra. Ha trovato conforto – e persino risposte – nei racconti dal sapore occulto di antiche reliquie e riti di mezzanotte piuttosto che nelle visioni cristiane estreme che tendono a distorcere la sua patria adottiva nel Sud degli Stati Uniti. “Mi sentivo più a mio agio in questo”, dice delle narrazioni folk che oggi hanno trovato spazio nella sua musica. “Adoro leggere delle pietre erette e delle vecchie storie popolari su come gli uomini venissero attirati nei boschi e uccisi da una sorta di strega. Lo adoro, è geniale.”

Fondate su un senso di riverenza, e quasi di paura, nei confronti della natura, queste storie hanno offerto a Cullum uno sfogo attraverso cui esprimere la sua frustrazione nei confronti del mondo moderno e creare un piano più giusto al di là del qui e ora. Diversi brani dell’album, come “Gavon’s Eve” e “Old Paul Hill”, sono scritti attraverso questa lente folk in cui la natura prevale sui mali dell’umanità. Come dice lui stesso: “Ho realizzato il mio film horror alla A24.”

Membro della band di accompagnamento di Miranda Lambert di giorno, Cullum è diventato anche uno dei musicisti di supporto più affermati del panorama musicale, con una richiesta trasversale ai generi che non conosce limiti. Ha prestato il suo talento alla pedal steel a tutti, da Angel Olsen a Caitlin Rose, da Dolly Parton a Kesha. L'artista ha imparato molto dalla realizzazione della sua Coin Collection, compreso come sentirsi a proprio agio nella vulnerabilità di essere un frontman, nonché come rimanere fedele alla propria arte.

Germania 1982. 155 minuti. Con Klaus Kinski, Claudia Cardinale.

Coast Of Light è un album in cui LWK si immerge ancora più profondamente nell’atmosfera, nell’emozione e nell’istinto. Ora residente in Spagna dopo oltre un decennio trascorso nell’ecosistema musicale di New Orleans, Winslow-King appare al tempo stesso radicato e irrequieto, attingendo da tutto ciò che ha assorbito lungo il percorso mentre continua a esplorare nuovi territori.
Cresciuto a Cadillac, nel Michigan, il percorso di Winslow-King fino a questo momento non ha mai seguito una linea retta. Le sue prime basi sono state gettate dallo studio del jazz e della musica classica, ma è stata la strada ad affinare la sua voce. Anni di esibizioni per strada in tutti gli Stati Uniti gli hanno insegnato come catturare l’attenzione con nient’altro che una chitarra, un testo e la convinzione. Quella formazione lo ha portato infine a New Orleans, dove ha trascorso più di quindici anni affinando la sua arte, costruendo una comunità e sviluppando un sound plasmato tanto dalla storia della città quanto dal suo senso di libertà.
La musica di Winslow-King vive all’incrocio tra jazz, blues, folk e influenze classiche, ancorata da un lavoro fluido alla chitarra e da una voce che trasmette sia carattere vissuto che calore. Il New York Times ha elogiato una volta la sua capacità di “fondere senza soluzione di continuità temi del Delta blues, del gospel e del jazz con testi personali e semplificati”, una qualità che rimane centrale nella sua scrittura. C’è una schiettezza nelle sue canzoni che non risulta mai banale, un peso emotivo trasmesso con moderazione piuttosto che con spettacolarità.
In Coast Of Light, questo approccio si espande verso l’esterno. Ispirato dalla costa atlantica dell’Andalusia, l’album si dispiega come una serie di scene impressionistiche, plasmate dalla luce mutevole, dalla memoria e dal movimento. Coprodotto con il collaboratore di lunga data Roberto Luti, il disco si muove con sicurezza attraverso fondamenta radicate nel blues, mentre si spinge verso trame psichedeliche e spigoli sperimentali. Temi come la vita, la morte, la speranza e l’amore affiorano naturalmente, intrecciati in canzoni che sembrano riflessive senza chiudersi in se stesse.
Giunto al nono album della sua carriera, Winslow-King continua a resistere alla comodità e alla ripetizione. Coast Of Light cattura un artista ancora curioso, ancora alla ricerca e ancora disposto a seguire una canzone ovunque essa conduca. Come ha osservato l’Austin Chronicle, egli dimostra “una vasta gamma di abilità compositive degna di essere paragonata a Jason Isbell e John Fullbright”, a ricordarci che la sua forza risiede non solo nell’arte, ma nella sua capacità di far sentire vivo ogni nuovo disco nel momento stesso in cui viene ascoltato.

LP. Two Shades of Blue cattura Robben Ford al culmine della sua maturità artistica: ricco, intenso, soul e carico di emozione. Fondendo il suo inconfondibile timbro chitarristico con una scrittura fresca e arrangiamenti curati nei minimi dettagli, lalbum offre tutto ciò che i fan amano di Ford, spingendo al tempo stesso il suo suono verso nuovi territori. Unuscita imprescindibile per gli appassionati di blues, jazz e chitarra, Two Shades of Blue è destinato a diventare uno dei dischi simbolo della sua straordinaria carriera.

Mike Zito torna a casa con *Outside Or The Eastside*, il suo quarto album da solista in studio per la Gulf Coast Records. Un disco personale per Mike, plasmato dai ricordi, dai luoghi e dal rinnovamento. Passeggiando per le strade della sua città natale, St. Louis, Zito si riconnette con i suoni, le storie e le dure lezioni che hanno forgiato il suo caratteristico mix di blues animato dal soul e narrazione senza compromessi. Tredici anni dopo Gone to Texas, questo album sembra un momento decisivo, che segna un nuovo capitolo per Mike, la sua famiglia e una vita riconquistata nella città dove tutto è iniziato.

Le canzoni dipingono vividi istantanee della vita cittadina e della resa dei conti personale, dal rimpianto notturno e dall’autocoscienza ai ritratti crudi della sopravvivenza di quartiere e della verità di strada. Brani come “Downtown at Midnight” e “Grand Avenue” catturano la grinta, la tentazione e le conseguenze del passato con onestà incrollabile, radicando l’album nell’esperienza vissuta e nel peso emotivo. La scrittura di Zito è diretta e cinematografica, e accoppia una riflessione dura con la compassione e la saggezza conquistata a fatica.

In fondo, Outside Or The Eastside è una celebrazione delle seconde possibilità, un album dedicato ai giorni migliori, alla famiglia, all’amicizia, all’amore e alla gioia che si trovano nei momenti quotidiani. I percorsi imprevedibili della vita aprono porte che non ti saresti mai aspettato, e per Mike Zito, questo disco abbraccia quella verità con calore, umorismo e spavalderia. È un disco che parla di scegliere la connessione piuttosto che il caos e di andare avanti con gratitudine, determinazione e il volume alzato.

2CD. Ristampa in versione di lusso del debutto della band californiana rimasterizzata dai nastri originali con l'aggiunta di un secondo CD con inediti, rare outtakes e versioni alternate prese dalle sessions di registrazione.

The Great Divide, il nuovo attesissimo album di Noah Kahan, due volte candidato ai Grammy, prodotto con Gabe Simon e Aaron Dessner.
La capacità di Kahan di raccontare con sincerità la sua attuale situazione di vita è un punto di forza ben consolidato che emerge chiaramente in questo album, mentre descrive com’è realmente quando un disco ti cambia la vita — nel bene e nel male. Nei 17 brani di Across The Great Divide, Kahan riflette su come il successo abbia influenzato il suo rapporto con se stesso, la sua famiglia e gli amici, e persino con il suo stato natale, il Vermont — ed esplora con dettagli avvincenti il disagio di quella disconnessione.
"Da un lungo silenzio si forma una frattura, una grande distesa che reclama attenzione. La fisso dall’altra parte. Vedo vecchi amici, mio padre, mia madre, i miei fratelli, me stesso da giovane, il grande Stato del Vermont. Vorrei urlare questi sentimenti, gesticolare freneticamente verso le figure dall’altra parte, ma la mia voce si è fatta rauca e smorzata dopo anni passati a scalare una scala verso i sogni selvaggi e vorticosi che si sono materializzati davanti a me. Invece, li ho scritti accanto a un pianoforte a Nashville, accanto a uno stagno a Guilford nel Vermont, in uno studio leggendario nello Stato di New York, in una fattoria con una torre di avvistamento a Only, nel Tennessee. Le canzoni sono le parole che direi se potessi. Sono le paure con cui danzo nei momenti prima di scivolare nel sonno. La musica qui è il mio miglior tentativo di scavare più a fondo nelle persone, nei luoghi e nei sentimenti che mi hanno reso ciò che sono. Sono grato per tutto questo, per tutti voi, per averle ascoltate, se avete scelto di farlo."

LP. Cactus Lee al secolo Kevin Dehan, è un cantautore texano sulla breccia dal 2019. Un beniaminoo della locale scena honky tonk influenzato dalla musica degli anni sessanta e settanta. Come il precedente, il nuovo album è un disco per chi ama le sfaccettature della musica texana, per chi predilige il country dalle tonalità tenui che si accende di ricordi e nostalgia.

2 volumi. Sigillato.

Pink Floyd Live From the Los Angeles Sports Arena, April 26th, 1975 contiene 16 registrazioni live catturate dal famoso bootlegger Mike Millard durante il leggendario concerto della band alla Los Angeles Sports Arena il 26 aprile 1975. L'audio è stato accuratamente restaurato e rimasterizzato dal celebre produttore e musicista Steven Wilson.