Musica

"Peaches!" dei Black Keys è il quattordicesimo album in studio del duo di Akron (il sesto dal 2019), una raccolta di 10 brani viscerali e grezzi descritta dal cantante Dan Auerbach come il “disco più naturale” della band dal loro debutto nel 2002, "The Big Come Up". Con lo stesso spirito fai-da-te, l'album è stato registrato con tutti i musicisti che suonavano nella stessa stanza con poche sovraincisioni, ed è il primo disco mixato interamente dalla band stessa da "Magic Potion" (2006). Le canzoni scelte riflettono l'ossessiva abitudine di Auerbach e del compagno di band Patrick Carney di collezionare dischi, che negli ultimi anni è degenerata in una serie continua di feste da ballo "Record Hang DJ-set", dove suonano 45 giri vintage per piste da ballo affollate nei locali più cool di tutto il mondo. La copertina di "Peaches!" si basa su un'immagine iconica del fotografo di Memphis William Eggleston e segna il ritorno del fratello di Patrick, Michael Carney, che ha curato la direzione artistica.

3CD/Blu-Ray. Ristampa in edizione di lusso del quarto album della band californiana, l'ultimo realizzato nel 1975 dalla formazione originale, che comprende la rimasterizzazione del disco originale e un concerto inedito registrato allo Stadio di Annheim il 28 settembre 1975. Il Blu Ray include l'album originale e il concerto in alta risoluzione audio e Atmos.

Cresciuto a Shreveport in Louisiana ma sempre orbitato fra il Texas e Manhattan, John Campbell fu una delle figure centrali del blues revival dei primi anni '90 con un peculiare intreccio di Delta blues, frustate rockiste e dirompenti ondate di slide. Le registrazioni inedite di questo disco effettuate in due sessions presso un'emittente radiofonica olandese risalgono al suo periodo più ispirato, quando pubblicò il capolavoro One Believer e il sulfureo Howlin' Mercy. Equipaggiato solo della propria voce e di tre diversi modelli di chitarra, Campbell esegue prima cinque e poi quattro canzoni, dando una dimostrazione pratica di come a lui non occorressero pletore di strumenti o alti voltaggi per esprimere tutta la tenacia, la robustezza, il dolore e la dolcezza di cui è intrisa la musica che deriva dall'esperienza e dalla vita vissuta. 2 Meter Sessions non è solo il miglior disco di blues in senso lato in cui ci si possa imbattere in questo 2026, ma una testimonianza d'incontenibile talento artistico come non è più dato sentire ai giorni nostri,.

La performance della James Harman Band alla SLO Vet's Hall nel gennaio 2000 vede finalmente la luce del giorno! James Harman - il venerato Maestro del blues dell'armonica californiana - era al suo apice allora. Il giovane Nathan James - uno straordinario chitarrista, ricco di finezza e sentimento - aveva solo 21 anni, anche se il suo tocco magico mascherava la sua età. La sezione ritmica è compatta,, immacolata, offrendo un ritmo potente e agile in tutto. Questa è musica superiore e anche di grande qualità sonora. 9 tracce, 70 minuti di musica senza tempo da un leader e una band che hanno fatto la storia nel campo blues.

Con il settimo album di studio, la band californiana torna a incantare con la consueta eleganza. Il duo formato da Kenneth Pattengale e Joey Ryan ha saputo traghettare il folk verso il grande pubblico grazie a un'impronta chitarristicainconfondibile e armonie vocali celestiali. Il nuovo album è un disco delicato e di straordinaria caratura emotiva: un'opera preziosa lontana dalle mode e dal mainstream, capace di emozionare un pubblico sempre più vasto attraverso la pura bellezza della semplicità.

2CD. Il diciottesimo album della cantante e pianista americana viene descritto dall'autrice come una storia metaforica sulla lotta della democrazia sulla tirannia, che riflette l'attuale aberrante situazione in America". È un lavoro narrativo di 17 tracce che sonorità orchestrali, pop e atmosfere che ricordano Boys for Pele. Ammirata per aver costruito una carriera multiforme e unificante, caratterizzata da un attivismo tenace e da una musicalità unica, questo nuovo lavoro continua la sua inconfondibile
tradizione narrativa. È un potente viaggio di resilienza e risveglio, in cui la ricerca della libertà incontra forze che cercano di controllarci e metterci a tacere.

Non ci sono molti artisti che pubblicano due nuovi album all’anno, e ancora meno lo fanno entro tre mesi, ma Marc Broussard non è uno come tanti e le idee e l'ispirazione non gli mancano. Il nuovo ‘Chance Worth Taking’ conntiene 14 inediti brani prevalentemente co-scritti dal cantante con il bassista Calvin Turner, conferma che l’etica del lavoro e la creatività di Brossard sono ben oliate. L'album presenta atmosfere blues sfumate di soul con ospiti come Joe Bonamassa, Joe Smith e Trombone Shorty. Il soul dagli occhi azzurri non è mai sembrato tanto blues.

Young the Giant è una rock band californiana, nota per esibizioni dal vivo di grande impatto e un sound che fonde voci di alto livello, un complesso
intreccio strumentale e lirismo introspettivo. Victory Garden è un
album sull'empatia fra esseri umani, sulla lotta tra la vita e la morte, sull'amore contro la paura cercando di affrontare un mondo difficile con gli occhi dei nostri figli. Victory Garden è così un'ode a tutto ciò che è umano e bello.

Tra le occasioni perdute del rock, gli inglesi Dry Ice occupano una posizione di rilievo. Registrato nel 1969, l'unico e omonimo album del gruppo è rimasto congelato per quasi 50 anni, vittima di un destino contrattuale avverso e è riemerso solo nel 2018. Lontani dalle radici puriste del blues britannico, i Dry Ice eronoo un quintetto dalla spiccata sensibilità psichedelica. La band catturò in studio l'energia della Swinging London, unendo raffinatezza melodica e potenza elettrica. La musica, tra armonie e feedback, è un caleidoscopio di suoni che riflettono il passaggio dalla psichedelia floreale al vigore dell'hard rock anni settanta.

Saltando da un treno all'altro come fosse un nuovo Jimmie Rodgers, Benjamin Tod è diventato un cantautore country dalle tante sfaccettature. Abbandonata la vecchia band e raccolti attorno a se gli Inline Six, Tod ha realizzato un disco che contiene 10 brani, ciascuno dei quali eseguito sia con la band al completo sia in versione solista, spartana, spogliata di ogni strumento tranne una chitarra. La vendetta arriva a colpi di decise sciabolate di violino e pedal steel, la voce combatte greve e risoluta per far posto alla pace del perdono, una grazia che arriva sussurrata e conciliante annunciata da versoi disadorni come una stanza vuota eppure carichi di umanità.

Middle of Nowhere, il sesto album in studio di Kacey Musgraves, prodotto dalla stessa Kacey insieme a Daniel Tashian e Ian Fitchuk, attinge ai suoni, alle storie e alla sensibilità che hanno plasmato l'artista texana. Un cartello nella minuscola cittadina di Golden, in Texas, un piccolo centro abitato senza semafori e con meno di 300 abitanti, con la scritta "Golden, TX: Somewhere
in the Middle of Nowhere", ha ispirato la title track e il filo conduttore simbolico dell'album, alludendo a qualcosa di più profondo e sfaccettato.

La pluripremiata vocalist Gabrielle Cavassa debutta a suo nome su etichetta Blue Note: Diavola è un album che svela la sua versatilità come bandleader, autrice e soprattutto interprete coraggiosa, in grado di affrontare repertori molto lontani da loro (e quello italiano – cantato nella nostra lingua, con seducente accento brasiliano – fa la parte del leone: c’è anche Luigi Tenco) con grande rispetto e sensibilità. Co-prodotto da Joshua Redman e Don Was, Diavola è una raccolta di brani originali e magnifici arrangiamenti affidati ad un cast straordinario: Jeff Parker alla chitarra, Larry Grenadier al contrabbasso, Brian Blade alla batteria, Paul Cornish al pianoforte e il già menzionato Joshua Redman al sassofono tenore.

Affiancabile ai dischi di Emma Jean Thackray e Mei Semones usciti lo scorso anno, il nuovo album della batterista, tasteirista, vibrafonista e cantante nippo-britannica è un'eccentrica sberla di bellezza che va oltre i canoni del jazz rientrando in quella new wave che sta squotendo la Lonjdra degli ultimi anni.

3CD. L'attivissima etichetta inglese Cherry red dedica un imponente lavoro al folk inglese e irlandese del 1965, punto di abbrivio per un movimento musicale destinato a durare per decenni. 86 tracce e una folla di nomi fra personalità illustri, artisti misconosciuti e altri del tutto oscuri che hanno attraversato il fimamento del folk come caduche comete. Ci sono Shirley Collins & Davey Graham, Hedy West, Bert Jansch, The Seekers, Chad & Geremy, Marianne Faithfull, Doris Henderson, Donovan, Dana Gillespie, Nico e decine di altri.

La serie “Black America Sings…” di Ace, piccola ma in continua evoluzione, è rimasta inattiva negli ultimi tempi, ma torna in scena con l’uscita di questo “Highway Of Diamonds” – un secondo tuffo nel repertorio di Bob Dylan, reinterpretato da alcuni dei più importanti artisti afroamericani del XX secolo. Grandi classici del Premio Nobel da Duluth, interpretati da The Staple Singers, Nina Simone, Sarah Vaughan, Jimmy Scott, Odetta, Solomon Burke, Cassandra Wilson e tanti altri.

I chicagoani Friko forse non inventano nulla di nuovo ma mostrano freschezza, energia, una grande abilità nel mescolare le carte e una penna sopra la media. Suonano un sanguigno rock'n'roll che potrebbe cambiare la vita di qualsiasi adolescente lo ascolti, con un approccio indie rock alla materia, una grana sonora efficace e melodie memorabili.

Long Long Road, il nuovissimo album di Ringo Starr, è stato scritto e prodotto da T Bone Burnett insieme a Daniel Tashian e Bruce Sugar. Contiene 10 splendidi brani che includono collaborazioni con Billy Strings, Molly Tuttle, Sheryl Crow e St Vincent.
È l'attesissimo seguito di Look Up, album che ha svettato nelle classifiche dello scorso anno. Con solide radici nel country, Long Long Road unisce una rilassante atmosfera americana alle radici rock di Ringo con canzoni che parlano dei molti viaggi della vita e della ricerca dell'amore lungo il percorso.

Da sei anni assente dalle scene, Terry Allen torna con un disco collettivo che coinvolge buona parte della sua famiglia oltre ai fratelli Sexton, a Jono Manson e a Lloyd Maines. Non tutto ha lo stesso standard compositivo del capostipite, ma alla fine è un progetto curioso e artistico che oscilla tra atmosfere di frontiera, ballate evocative e sfumature blues.

Uno dei classici funk della band di George Clinton rimasterizzato dai nastri originali.

Feltrinelli, 2026. C’è stata un’Italia che ha scoperto il rock come una rivelazione, che ha imparato l’inglese sui testi delle canzoni e che sognava di vivere in un mondo fatto di musica, parole e libertà. È l’Italia di un ragazzo che cresce in provincia negli anni ’60, ascolta i Beatles alla radio, si innamora di Dylan, scopre Zappa, scrive le prime fanzine e capisce che la musica può essere una bussola per orientarsi nel mondo. Dai pomeriggi passati nei negozi di dischi alle notti delle radio libere, dai viaggi verso Londra e Parigi ai festival jazz e rock che cambiano il modo di ascoltare, Riccardo Bertoncelli narra una storia di formazione, di amicizie, di errori, di entusiasmi assoluti. È il ritratto di un’epoca irripetibile, in cui l’uscita di un album si aspettava con ansia, le canzoni si ascoltavano fino a consumare la testina del giradischi e le parole avevano ancora un peso. Con ironia e tenerezza, Bertoncelli ricompone quel mondo in un memoir che è al tempo stesso confessione e racconto collettivo: Abitavo a Penny Lane è una lettera d’amore al rock e alla giovinezza, scritta da chi ha vissuto quella stagione con passione contagiosa. Un libro per chi c’era e per chi avrebbe voluto esserci. E per chi ancora oggi cerca nei dischi – o nei libri – qualcosa che somigli a una promessa di libertà. La musica come passione, identità, rivoluzione: il memoir di una vita vissuta a tempo di rock. Un viaggio ironico e affettuoso nella colonna sonora di una generazione.

Le Snocaps sono il progetto delle sorelle Katie (nota come Waxahatchee) e Allison Crutchfield con il chitarrista MJ Lenderman e il multistrumentista Brad Cook. La band suona dell'ariosa Americana con fragranti melodie pop e sfumature country.

Registrazioni effettuate presso la BBC nel 1973 con versioni inedite di brani dai primi due album. Prima pubblicazione ufficiale.

DATA DI USCITA: 12 GIUGNO 2026
Secondo lavoro, originariamente pubblicato in proprio ed andato rapidamente esaurito dopo l'esplosione di visibilità data dall'apparizione sul canale YouTube di KEXP. Il duo mantra-rock dada-pitagoreo-cubista formato da Klek e Khn de Poitrine continua la propria esplorazione di un repertorio di rock strumentale dal sound incisivo che, alla maniera della musica techno, si articola attorno a un gioco dinamico di aggiunta e sottrazione di motivi sonori in costante metamorfosi.
Con l'aiuto delle sue dita agili e di un modulo di looping elettronico, Khn registra in tempo reale e armonizza molteplici strati di ornamenti melodici, alternando costantemente chitarra e basso microtonali, che si intrecciano in frasi cromatiche e spigolose in quarti di tono.
In questo vortice di cellule ripetitive, la batteria dal timbro ocuro di Klek si comporta con la saggezza e la temperanza dello sherpa; l'aggiunta progressiva e calcolata di elementi o il dosaggio stoico del silenzio guidano l'ascoltatore nel viaggio, facendo danzare groove asimmetrici, culminando l'intensità o spostando il punto di ancoraggio ritmico al momento giusto.

«Smoke And Mirrors» dei Green Seagull è un viaggio luminoso nel mondo del rock psichedelico barocco, un disco che unisce la sensibilità melodica degli anni ’60 a una acutezza e una sicurezza di sé tipicamente contemporanee. Fin dai primi secondi di «Millions Of People», il quartetto crea un universo ricco di armonie stratificate e chitarre tintinnanti. Le linee di chitarra intrecciate di Dan Davies e Paul Nelson intrecciano un jangle raffinato e la complessità del chamber-pop, mentre la sezione ritmica composta dalla batteria di Elian Dalmasso, dal basso di Paul Milne e dalle tastiere di Sarah Gonputh fornisce una base vivace ma solida. Un disco con molti rimandi al passato, ma fresco e godibilissimo.

DATA DI USCITA: 12 GIUGNO 2026
Primo album, pubblicato originariamente nel 2024. Mantra-rock dada-pitagoreo-cubista. Dal 2023, i nobili fratelli Klek e Khn de Poitrine propongono un repertorio di rock strumentale dal sound incisivo che, alla maniera della musica techno, si articola attorno a un gioco dinamico di aggiunta e sottrazione di motivi sonori in costante metamorfosi.
Con l'aiuto delle sue dita agili e di un modulo di looping elettronico, Khn registra in tempo reale e armonizza molteplici strati di ornamenti melodici, alternando costantemente chitarra e basso microtonali, che si intrecciano in frasi cromatiche e spigolose in quarti di tono.
In questo vortice di cellule ripetitive, la batteria dal timbro ocuro di Klek si comporta con la saggezza e la temperanza dello sherpa; l'aggiunta progressiva e calcolata di elementi o il dosaggio stoico del silenzio guidano l'ascoltatore nel viaggio, facendo danzare groove asimmetrici, culminando l'intensità o spostando il punto di ancoraggio ritmico al momento giusto.

Fedele a una ricetta che combina rock'n'roll, soul, blues e country, la cantante e tastierista di origini texane ma residente a Los Angeles confeziona un altro buon lavoro con i suoi Rhythm Tramps. Per fornire qualche coordinata, James e i suoi si muovono in un territorio affine a quello di colleghi come Marcia Ball o Delbert McClinton suonando una musica magari poco appariscente ma di indubbio gusto.

Secondo album per l'infuocato organ trio formato da Jimmy James (True Loves), Adam Scone (Scone Cash Players, The Sugarman 3) e Tim Carman (Canyon Lights, ex GA-20). Uno splendido compendio strumentale di tutto ciò che ruota attorno al funk, con forti dosi di groove e grande calore, ed una band al top della forma.

2CD. Ristampa espansa e rimasterizzata.
Gli Yes ripropongono il loro mini-album del 2019 con questo doppio album ampliato di 15 tracce, che include i 4 brani originali insieme a versioni alternative e demo di brani scritti durante quelle sessioni, molti dei quali sarebbero poi apparsi nel successivo album della band, *Fly From Here*. Include i 4 brani originali più alternate version e demo, un set di cards e un poster a doppia facciata.

«Coin Collection 3» è l’album conclusivo della trilogia «Coin Collection» di Spencer Cullum (2021, 2023) – una serie che ha caratterizzato la sua carriera solista, nata dal bisogno di riconnettersi con il luogo da cui proviene e con le influenze che hanno plasmato la sua identità odierna; una piattaforma dedicata tanto al suo talentuoso entourage quanto al suo stesso genio.

Una collezione caleidoscopica di folk, jazz e pop, Coin Collection 3 è stata realizzata con registrazioni sul campo su nastro, note vocali su iPhone e registrazioni grezze in studio effettuate in tutto il mondo, il tutto assemblato su cassetta dalla comodità della sua casetta da giardino appositamente costruita.

Per dare un senso a tutto, dalla crisi climatica al capitalismo in fase avanzata, il musicista si è rivolto al folklore della sua nativa Inghilterra. Ha trovato conforto – e persino risposte – nei racconti dal sapore occulto di antiche reliquie e riti di mezzanotte piuttosto che nelle visioni cristiane estreme che tendono a distorcere la sua patria adottiva nel Sud degli Stati Uniti. “Mi sentivo più a mio agio in questo”, dice delle narrazioni folk che oggi hanno trovato spazio nella sua musica. “Adoro leggere delle pietre erette e delle vecchie storie popolari su come gli uomini venissero attirati nei boschi e uccisi da una sorta di strega. Lo adoro, è geniale.”

Fondate su un senso di riverenza, e quasi di paura, nei confronti della natura, queste storie hanno offerto a Cullum uno sfogo attraverso cui esprimere la sua frustrazione nei confronti del mondo moderno e creare un piano più giusto al di là del qui e ora. Diversi brani dell’album, come “Gavon’s Eve” e “Old Paul Hill”, sono scritti attraverso questa lente folk in cui la natura prevale sui mali dell’umanità. Come dice lui stesso: “Ho realizzato il mio film horror alla A24.”

Membro della band di accompagnamento di Miranda Lambert di giorno, Cullum è diventato anche uno dei musicisti di supporto più affermati del panorama musicale, con una richiesta trasversale ai generi che non conosce limiti. Ha prestato il suo talento alla pedal steel a tutti, da Angel Olsen a Caitlin Rose, da Dolly Parton a Kesha. L'artista ha imparato molto dalla realizzazione della sua Coin Collection, compreso come sentirsi a proprio agio nella vulnerabilità di essere un frontman, nonché come rimanere fedele alla propria arte.

Coast Of Light è un album in cui LWK si immerge ancora più profondamente nell’atmosfera, nell’emozione e nell’istinto. Ora residente in Spagna dopo oltre un decennio trascorso nell’ecosistema musicale di New Orleans, Winslow-King appare al tempo stesso radicato e irrequieto, attingendo da tutto ciò che ha assorbito lungo il percorso mentre continua a esplorare nuovi territori.
Cresciuto a Cadillac, nel Michigan, il percorso di Winslow-King fino a questo momento non ha mai seguito una linea retta. Le sue prime basi sono state gettate dallo studio del jazz e della musica classica, ma è stata la strada ad affinare la sua voce. Anni di esibizioni per strada in tutti gli Stati Uniti gli hanno insegnato come catturare l’attenzione con nient’altro che una chitarra, un testo e la convinzione. Quella formazione lo ha portato infine a New Orleans, dove ha trascorso più di quindici anni affinando la sua arte, costruendo una comunità e sviluppando un sound plasmato tanto dalla storia della città quanto dal suo senso di libertà.
La musica di Winslow-King vive all’incrocio tra jazz, blues, folk e influenze classiche, ancorata da un lavoro fluido alla chitarra e da una voce che trasmette sia carattere vissuto che calore. Il New York Times ha elogiato una volta la sua capacità di “fondere senza soluzione di continuità temi del Delta blues, del gospel e del jazz con testi personali e semplificati”, una qualità che rimane centrale nella sua scrittura. C’è una schiettezza nelle sue canzoni che non risulta mai banale, un peso emotivo trasmesso con moderazione piuttosto che con spettacolarità.
In Coast Of Light, questo approccio si espande verso l’esterno. Ispirato dalla costa atlantica dell’Andalusia, l’album si dispiega come una serie di scene impressionistiche, plasmate dalla luce mutevole, dalla memoria e dal movimento. Coprodotto con il collaboratore di lunga data Roberto Luti, il disco si muove con sicurezza attraverso fondamenta radicate nel blues, mentre si spinge verso trame psichedeliche e spigoli sperimentali. Temi come la vita, la morte, la speranza e l’amore affiorano naturalmente, intrecciati in canzoni che sembrano riflessive senza chiudersi in se stesse.
Giunto al nono album della sua carriera, Winslow-King continua a resistere alla comodità e alla ripetizione. Coast Of Light cattura un artista ancora curioso, ancora alla ricerca e ancora disposto a seguire una canzone ovunque essa conduca. Come ha osservato l’Austin Chronicle, egli dimostra “una vasta gamma di abilità compositive degna di essere paragonata a Jason Isbell e John Fullbright”, a ricordarci che la sua forza risiede non solo nell’arte, ma nella sua capacità di far sentire vivo ogni nuovo disco nel momento stesso in cui viene ascoltato.

Mike Zito torna a casa con *Outside Or The Eastside*, il suo quarto album da solista in studio per la Gulf Coast Records. Un disco personale per Mike, plasmato dai ricordi, dai luoghi e dal rinnovamento. Passeggiando per le strade della sua città natale, St. Louis, Zito si riconnette con i suoni, le storie e le dure lezioni che hanno forgiato il suo caratteristico mix di blues animato dal soul e narrazione senza compromessi. Tredici anni dopo Gone to Texas, questo album sembra un momento decisivo, che segna un nuovo capitolo per Mike, la sua famiglia e una vita riconquistata nella città dove tutto è iniziato.

Le canzoni dipingono vividi istantanee della vita cittadina e della resa dei conti personale, dal rimpianto notturno e dall’autocoscienza ai ritratti crudi della sopravvivenza di quartiere e della verità di strada. Brani come “Downtown at Midnight” e “Grand Avenue” catturano la grinta, la tentazione e le conseguenze del passato con onestà incrollabile, radicando l’album nell’esperienza vissuta e nel peso emotivo. La scrittura di Zito è diretta e cinematografica, e accoppia una riflessione dura con la compassione e la saggezza conquistata a fatica.

In fondo, Outside Or The Eastside è una celebrazione delle seconde possibilità, un album dedicato ai giorni migliori, alla famiglia, all’amicizia, all’amore e alla gioia che si trovano nei momenti quotidiani. I percorsi imprevedibili della vita aprono porte che non ti saresti mai aspettato, e per Mike Zito, questo disco abbraccia quella verità con calore, umorismo e spavalderia. È un disco che parla di scegliere la connessione piuttosto che il caos e di andare avanti con gratitudine, determinazione e il volume alzato.

2CD. Ristampa in versione di lusso del debutto della band californiana rimasterizzata dai nastri originali con l'aggiunta di un secondo CD con inediti, rare outtakes e versioni alternate prese dalle sessions di registrazione.

The Great Divide, il nuovo attesissimo album di Noah Kahan, due volte candidato ai Grammy, prodotto con Gabe Simon e Aaron Dessner.
La capacità di Kahan di raccontare con sincerità la sua attuale situazione di vita è un punto di forza ben consolidato che emerge chiaramente in questo album, mentre descrive com’è realmente quando un disco ti cambia la vita — nel bene e nel male. Nei 17 brani di Across The Great Divide, Kahan riflette su come il successo abbia influenzato il suo rapporto con se stesso, la sua famiglia e gli amici, e persino con il suo stato natale, il Vermont — ed esplora con dettagli avvincenti il disagio di quella disconnessione.
"Da un lungo silenzio si forma una frattura, una grande distesa che reclama attenzione. La fisso dall’altra parte. Vedo vecchi amici, mio padre, mia madre, i miei fratelli, me stesso da giovane, il grande Stato del Vermont. Vorrei urlare questi sentimenti, gesticolare freneticamente verso le figure dall’altra parte, ma la mia voce si è fatta rauca e smorzata dopo anni passati a scalare una scala verso i sogni selvaggi e vorticosi che si sono materializzati davanti a me. Invece, li ho scritti accanto a un pianoforte a Nashville, accanto a uno stagno a Guilford nel Vermont, in uno studio leggendario nello Stato di New York, in una fattoria con una torre di avvistamento a Only, nel Tennessee. Le canzoni sono le parole che direi se potessi. Sono le paure con cui danzo nei momenti prima di scivolare nel sonno. La musica qui è il mio miglior tentativo di scavare più a fondo nelle persone, nei luoghi e nei sentimenti che mi hanno reso ciò che sono. Sono grato per tutto questo, per tutti voi, per averle ascoltate, se avete scelto di farlo."

Pink Floyd Live From the Los Angeles Sports Arena, April 26th, 1975 contiene 16 registrazioni live catturate dal famoso bootlegger Mike Millard durante il leggendario concerto della band alla Los Angeles Sports Arena il 26 aprile 1975. L'audio è stato accuratamente restaurato e rimasterizzato dal celebre produttore e musicista Steven Wilson.

Your Favorite Toy è una feroce riaffermazione della potenza post-grunge degli esordi dei Foo Fighters; un ritorno a un sound rock energico, con brani dal ritmo incalzante che richiamano i primi lavori della band, pur mantenendo lo stile melodico alternative rock che ha caratterizzato tutta la loro discografia.

At the BBC è la prima pubblicazione ufficiale dello storico spettacolo Jazz 625 tenuto dal Bill Evans Trio (Bill Evans, Chuck Israels e Larry Bunker) il 19 marzo 1965 al BBC Television Theatre di Shepherd's Bush. Trasferito dai nastri originali della BBC e restaurato e masterizzato da Matthew Lutthans presso The Mastering Lab.

2 CD. Nuova edizione 2026: una delle ristampe più attese del catalogo Dark Horse. Registrato dal vivo, con Eric Clapton.

Ottavo lavoro in studio per Sam Beam aka Iron & Wine, registrato durante le session per il precedente Light Verse, nei Waystation Studios di Laurel Canyon. Hen's Teeth è un disco più profondo rispetto al predecessore, meno incline alle atmosfere soft e più focalizzato sulla sostanza musicale e sul suono delle radici. Beam ha affermato di essere stato influenzato da Astral Weeks di Van Morrison, e dalla collaborazione in tour con il trio indie-country I'm With Her, ospite del disco. Un lavoro coeso, superiore al precedente, col quale Iron & Wine si conferma uno tra i più ispirati songwriter dell'attuale scena statunitense.

Il secondo lavoro del musicista della Louisiana trasferitosi a Nashville è una fusione organica di rock delle radici, soul e alt.country con un suono scrosciante. La presenza scenica del giovane ricorda Jeremy Albino, la sua voce e la sua carica l'Anderson East degli esordi, il tutto condito da un'Americana dai tratti swampy, grintose cavalcate dai riflessi sudisti, sassofomni generosi e una scrittura influenzata da John Cougar Mellencamp.

Il combo d'archi più celebrato della musica popolare torna con un lavoro incentrato sulla figura leggendaria di Mahalia Jackson, straordinaria interprete gospel la cui vita è andata a braccetto con l'impegno sociale circa diritti e giustizia per i neri d'America e per la libertà degli oppressi. Il fulcro tematico dell'opera è il discorso di Martin Luther King dell'agosto del '63 a cui Mahalia partecipò attivamente. L'opera è divisa in due parti separate da un intermezzo con la musica del quartetto che accompagna le parole prese da interviste e interventi della cantante. Un disco in cui c'è tanto per cui emozionarsi e motivazioni per non arrendersi.

La band rock blues olandese mostra ancora una volta di non amare etichette e confini e per rendere omaggio ai classici del passato noti e meno noti, ha rovistato negli archivi mettendo insieme una dozzina di sorprese. "Fuego è una lettera d'amore ai nostri eroi e ai fans che ci sono stati accanto in ogni riff, ogni ululato e in ogni miglio" dichiara la band e il disco è un amalgama di ventate di blues, atmosfere gotiche, suoni imbrattati di note fangose che sono la follia dei Dewolff poteva inventare.

«Quando mi viene in mente una canzone, mi assicuro di non lasciarmela sfuggire», dice Joe Pernice. Sunny, I Was Wrong, il suo primo album in studio di brani inediti a suo nome, è nato durante un periodo di intensa ispirazione e produttività. Le canzoni gli venivano in mente quasi più velocemente di quanto riuscisse a registrarle, come se avessero aspettato il momento giusto per balzargli addosso. Con un piccolo aiuto da parte dei suoi amici, Pernice ne ha trasformate alcune in una splendida sintesi di tutte le qualità che lo hanno contraddistinto come cantautore nel corso degli anni: la sua facilità nel creare melodie struggenti, la sua propensione per arrangiamenti che strizzano l’occhio al passato del pop senza impantanarsi nella nostalgia, e una profonda empatia per i personaggi che popolano i suoi versi.

Pernice cattura canzoni ormai da trent'anni, prima con le leggende dell'alt-country Scud Mountain Boys e poi con i pilastri dell'indie-pop Pernice Brothers. In entrambi questi gruppi ha inciso storie agrodolci in canzoni che riecheggiano Jimmy Webb, Burt Bacharach e Paul Williams. È uno dei rari artisti in grado di registrare un album di cover di Barry Manilow che non trasudi condiscendenza o ironia. Con Sunny, l’album ha gradualmente preso forma – o almeno l’idea di un album. “Sapevo di voler realizzare un disco in studio, e sapevo di voler realizzare un disco. Non volevo solo un miscuglio di brani. Non volevo realizzare un concept album, ma volevo qualcosa che andasse ascoltato dall’inizio alla fine. Volevo che fosse una destinazione. Un evento.” Sunny, I Was Wrong fa il punto su tutte quelle cose che ci sfuggono: amici e amanti che non vediamo da decenni, vecchie promesse infrante, sogni cari dimenticati, piani ben congegnati mai realizzati.

Quando Oscar Peterson arrivò al Baker's Keyboard Lounge di Detroit all'inizio di agosto 1960 per un ingaggio di due settimane, il trio del formidabile pianista, con il grande amico degli esordi Ray Brown al contrabbasso e Ed Thigpen alla batteria, aveva ormai raggiunto il vertice della creatività: l’intesa telepatica e lo swing debordante dei tre assi travolgeva il pubblico.
La registrazione di At Baker's Keyboard Lounge (raccolta nel volgere di un unico, incredibile venerdì sera…) avrebbe dovuto essere un album live per l’etichetta Verve, ma non fu mai pubblicato.

2CD. Il nuovo doppio album del musicista texano è una celebrazione della sua carriera, lodata per la sua narrazione autentica e autobiografica e la dedizione ai suoni tradizionali del sua terra.

Nuova edizione 2026 del classico album dei Dead in edizione limitata. Include Dolby Atmos 5.1 & Hi Res Stereo Mixes.

2CD. Ristampa rimasterizzata in versione Deluxe del concept album del 2001 in cui Amos incarna dodici personaggi distinti per reinterpretare canzoni originariamente scritte ed eseguite da uomini. Questa edizione ampliata, include le dodici cover originali che sfidano i generi – da Eminem e Depeche Mode agli Slayer – più quattro tracce bonus, due delle quali inedite, tra cui le cover di "Growin' Up" di Bruce Springsteen e "Hoover Factory" di Elvis Costello.

5CD/2LP. Versione da collezione della ristampa deluxe del secondo albu,m dei Queen. Riedizione celebrativa del secondo album dei Queen, Queen II, rimasterizzato e remixato. Il cofanetto contiene una miniera di gioielli preziosi oltre al mix 2026 dell'album: registrazioni in studio, outtake e demo inediti, tracce dal vivo e session radiofoniche. Sessions è una versione completamente diversa e inedita di ogni brano dell'album, con outtake tratti dalle sessioni originali al Trident, con tanto di false partenze, voci guida, qualche errore e alcune fantastiche battute in studio tra i quattro membri della band. Fra i suoi camei, le prime versioni di due brani: quella solista di Brian May di As It Began, alias White Queen, risalente al 1969, e due demo soliste di Loser In The End di Roger Taylor, che svelano l'evoluzione del brano.
Backing Tracks completa sia l'album stesso che le Sessions, con interessanti mix dei brani senza voce solista che mettono in risalto le performance musicali della band. At The BBC riunisce brani di 3 diverse session realizzate per i DJ di BBC Radio 1 tra la fine del 1973 e l'inizio del 1974. Live include canzoni dell'album tratte da concerti al leggendario Rainbow Theatre di North London il 31 marzo 1974 e all'Hammersmith Odeon del dicembre 1975.
La confezione include un libro di 112 pagine con fotografie inedite, testi manoscritti, diari e cimeli speciali, oltre a ricordi della scrittura e della registrazione dell'album da parte dei membri della band.

3CD/Blu-Ray. Ristampa per il 50esimo anniversario delle prime registrazioni della band di Lemmy rimasterizzate e remixate in Dolby Atmos da Steven Wilson. In aggiunta 2CD di outtakes dalle Rockfield Sessions del 1975-1976 inclusi inediti, alternative takes e dialoghi di studio. BlueRay audio con 96/24PCM Stereo e DTS-HD Master Audio 5.1.

La colonna sonora della nuova pellicola di Baz Luhrmann che include le straordinarie esibizioni presenti nel film, tra cui nuovi mix e remix dei classici successi di Elvis, insieme a due nuovi brani esclusivi che fondono e reinterpretano le iconiche esibizioni di Elvis, offrendo interpretazioni audaci e innovative che celebrano il Re in un modo completamente nuovo.
EPiC: Elvis Presley in Concert è il film più atteso dell'anno, con Elvis Presley che torna sul palco per la prima volta in 25 anni.

Ispirato dalle disavventure del nonno di Jimbo Mathus, il nuovo album del collettivo retrò swing americano è un lavoro letterario con radici nel primo jazz e nel cabaret degli inizi del novecento.

Il nuovo album del progetto di Sturgill Simpson realizzato con The Dark Clouds ovvero il chitarrista Laur Joamets, il tastierista Robbie Crowell, il bassista Kevin Black e il batterista Miles Miller, è un disco che combina country rock, funk, hard disco e musiche da colonne sonore di film a luci rosse degli anni settanta con tematiche profondamente critiche nei confronti della corrente amministrazione. Parafrasando il motto dell'attuale presidente, quel birbone di Sturgill dichiara che con questo disco vuole "Fare in modo che l'America torni a scopare" perché le sue intenzioni sono di innescare una rivoluzione dei sensi e guardarla prendere quota. Al di là dei bizzarri propositi, l'album mette insieme un eccitante amalgama sonoro in cui si scorgono influenze come Neil Young, Drive-by Truckers, i Rolling Stones più fangosi e i Funkadelic.

2CD. Riedizione celebrativa del secondo album dei Queen, Queen II, rimasterizzato e remixato. Sessions è una versione completamente diversa e inedita di ogni brano dell'album, con outtake tratti dalle sessioni originali al Trident, con tanto di false partenze, voci guida, qualche errore e alcune fantastiche battute in studio tra i quattro membri della band. Fra i suoi camei, le prime versioni di due brani: quella solista di Brian May di As It Began, alias White Queen, risalente al 1969, e due demo soliste di Loser In The End di Roger Taylor, che svelano l'evoluzione del brano.

Ristampa con nuovissimo mixaggio 2026 dai master originali.

2CD. Ristampa rimasterizzata in occasione del 40° anniversario dell'album che ha segnato il debutto della formazione con Sammy Hagar come cantante e il primo #1 in classifica per i Van Halen. Questa nuova edizione Expanded è un prodotto imprescindibile per i collezionisti: l’album originale è stato rimasterizzato direttamente dai nastri master da Donn Landee, garantendo una fedeltà sonora senza precedenti con l'aggiunta nel secondo CD di materiale d'archivio di studio e dal vivo.

Il nuovo album 2026 del collettivo avant jazz americano.

Disco splendido e sorprendente, il quinto album del musicista di Dallas ha la grinta del country classico, il fuoco del gospel e un tocco rock'n'roll scintillante.

La musicista nata negli alti Pirenei francesi al confine con la Spagna, sa mostrare il lato irriverente di un filone blues e rock in cui si respirano l'anima profonda del blues, la carica selvaggia del rock in un fluire di libertà espressiva senza barriere e opache riverenze. Il nuovo album trabocca di energia, onestà e emozione, seguendo il flusso dei sentimenti e dei pensieri.

Cresciuta tra le pianure ventose dello Yorkshire, la cantautrice britannica arriva al suo terzo album di studio trasformando la spazialità naturale dei suoi luoghi d'origine in un affascinante linguaggio musicale che coniuga radici della tradizione e canzone d'autore in un'affascinante combinazione di folk e jazz sviluppata con una tecnica chitarristica stroardinaria.

Blue Note. Milestones, un incontro in jazz. Ristampa dell'album originariamente pubblicato nel 2007, con i grandi successi di Gino Paoli reinterpretati assieme ad un combo di all stars che include Enrico Rava, Flavio Boltro, Danilo Rea, Rosario Bonaccorso, Roberto Gatto e Renato Sellani.

2CD/Blu Ray. Edizione rimasterizzata dai nastri analogici digitali con il mixaggio originale, il nuovo mixaggio stereo di Stephen W Tayler su CD. Il Blu Ray contiene i nuovi mixaggi 5.1 surround e stereo e il mixaggio originale, 10 bonus tracks e il film promozionale del 1972 Silver Machine. Edizione limitata con libro di 68 pagine e poster.

L'edizione 2CD 2026 di LIVE! Caught In The Act presenta per la prima volta, il concerto completo di 100 minuti del suo spettacolo del 2005 registrato dal vivo al Wiltern Theatre di Los Angeles. Cattura un artista che lavora senza sosta, conquistando il pubblico con uno spettacolo pieno di calore, umorismo e impegno totale. Vent’anni dopo, questo concerto completo rimane l’essenziale ritratto dal vivo di Bublé, quando la sua gratitudine, l’ambizione e il puro amore per l’intrattenimento si sono riversati oltre il palco.

Nuova ristampa rimasterizzata 2026 in mono con l'aggiunta di 3 bonus tracks. Confezione in digipack.

Originario del Kentucky, ai piedi degli Appalachi, dove il lavoro duro è l'unica moneta e la famiglia il baricentro, il giovane country singer è cresciuto lavorando sette giorni su sette nel mangimificio del nonno, e trasformando in canzoni i valori della provincia e il sudore della classe operaia. Prodotto da Dave Ferguson, l'album racconta un'America vera, senza filtri ne pose e allinea 12 brani in cui Colton brilla con voce sicura e timbro inconfondibile: a tratti ricorda la credibilità di Chris Stapleton, seppur con approccio meno graffiante e asciutto, e l'approccio crudo del primo Colter Wall. Lo spettro sonoro è un distillato di radici: country purissimo influenzato da venature honky tonk, roots rock e tocchi bluegrass. Una produzione di alto livello che rivela un songwriter appassionato: una vera sorpresa nel panorama odierno.

Michael: Songs From the Motion Picture è l'album ufficiale che accompagna il nuovissimo film biografico Michael. Questo album raccoglie 13 brani presenti nel film, che spaziano dai Jackson 5 ai Jacksons fino al successo solista di Michael con “Off The Wall” e “Thriller”, in cima alle classifiche. Questa raccolta include grandi successi come “Billie Jean”, “Don't Stop 'Til You Get Enough”, “Human Nature” e molti altri.

A 80 compiuti, Van "The Man" pubblica un nuovo album che pare pervaso dalla freschezza dei vent'anni: si tratta di un disco composto principalmente da covers di classici del blues che hanno evidentemente avuto un certo ascendente sulla sua formazione a cui aggiunge quattro canzoni inedite. Morrison rilegge alla sua maniera brani di B.B. King, John Lee Hooker, Willie Dixon, Fats Domino e Lead Belly tra gli altri, facendosi aiutare nell'impresa da ospiti illustri come Taj Mahal, Elvin Bishop e Buddy Guy. Circondandosi di turnisto di alto livello, Van interpreta ben venti classici del blues con una voce che non sembra affatto logorata dal trascorrere del tempo, un feeling e una verve che potrebbero essere quelle di un ragazzo alle prime armi. Un altra grande prova dell'irrascibile irlandese e un disco che Paolo avrebbe probabilmente amato alla follia.

Nuovo album ECM 2026 per il tenorsassofonista in quartetto con Jason Palmer alla tromba, Joe Martin al contrabbasso e Jonathan Pinson alla batteria. Un capolavoro.

Il tastierista di sessione e in tour e cantante blues Mike Finnigan, scomparso nel 2021, ha suonato con Crosby, Stills & Nash, Bonnie Raitt, Jimi Hendrix, Dave Mason, Peter Frampton, Tommy Bolin, Cher, Joe Cocker, Ringo Starr, Ray Charles e molti altri ancora. Al momento della sua scomparsa, stava lavorando a un album con il produttore J.J. Blair, che ha subito dei ritardi a causa della pandemia. Ora, l'album è finalmente stato completato e pubblicato. Tutte le 11 canzoni vedono Finnigan alla voce e alle tastiere, affiancato da musicisti e cantanti di prim'ordine, tra cui Joe Bonamassa, Stephen Stills e molti altri.

2CD. Riedizione 2026 della raccolta di singoli pubblicata originariamente nel 2016. Include tutti i successi di Phil Collins, da In the Air Tonight a Against All Odds, da Another Day in Paradise a You Can't Hurry Love.

2CD. Leon Russell e Mary Russell celebrano il proprio sodalizio artistico con "The Paradise Years 1976-1981", una ristampa che esplora le radici dell'America più autentica. In questo lavoro, la coppia fonde gospel, country e rhythm and blues, distaccandosi dai canoni rock per esplorare armonie vocali cariche di passione. Le voci si intrecciano con naturalezza, guidando ogni brano tra ballate confessionali ed esplosioni corali. Questa uscita celebra il carattere di due icone capaci di dominare la scena con un suono organico e inimitabile.

Disco del mese - Novembre 2025
I giorni bui richiedono un amore feroce, e l'ottantaseienne Mavis Staples, una delle figure più longeve della musica americana, lo sta dimostrando.
Sad And Beautiful World è l'ultimo album solista di un talento multigenerazionale. Prodotto da Brad Cook (Bon Iver, Waxahatchee e Nathaniel Rateliff), il disco abbraccia sette decenni di canzoni americane e include rivisitazioni di brani senza tempo e musica originale. Tra gli ospiti: Buddy Guy, Bonnie Raitt, Jeff Tweedy, Derek Trucks, Katie Crutchfield, MJ Lenderman e Justin Vernon.

Tracklist:
1. Chicago
2. Beautiful Strangers
3. Sad And Beautiful World
4. Human Mind
5. Hard Times
6. Godspeed
7. We Got To Have Peace
8. Anthem
9. Satisfied Mind
10. Everybody Needs Love

3CD. Cofanetto riguardante gli esordi della band con materiale inedito risalente al periodo antecedente l'esordio 77. Il primo CD raccoglie i primi demos del 1975 e le prime registrazioni quando ancora David Byrne, Tina Weymouth e Chris Frantz si facevano chiamare The Artistics. Il secondo CD contiene le registrazioni effettuate presso gli studi CBS/Columbia nel 1975 con alcuni classici che finiranno nell'esordio e nel successivo More Songs About Buildings And Food, mentre il terzo CD contiene due inedite performance dal vivo: Live At Max's Kansas City, New York, October 9, 1976 e Live at The Jabberwocky Club, Syracuse, NY, January 26, 1977. Pubblicazione fondamentale per approfondire le origini di una delle band più creative e artistiche degli ultimi cinquant'anni.

Per chi cerca un rock diretto e al contempo melodico, ancorato a un approccio underground, Gained/Lost dei britannici Wave Pictures è un ascolto azzeccato. L'album miscela garage anni sessanta, classic rock anni settanta e indie dei novanta, catturando l'energia live della band e la loro chimica decennale.

Il nuovo album 2026.

Il nuovo album 2026 in versione deluxe con 6 brani in più. DISPONIBILE DA VENERDI' 30 GENNAIO

Trentenne da Bloomington, Indiana, Curry è un talento alla chitarra fin dalla giovane età e dopo una carriera che l'ha visto collaborare tra gli altri con Steve Miller, Doobie Brothers o Peter Frampton, oggi propone la esplosiva miscela di blues, rock, affondi sudisti e country vecchio stile che riempie il nuovo album One For The Ride, fin dal titolo un disco per viaggiare sulle strade blu dell'America. Tutti i brani sono originali tranne una infuocata versione di Whiskey Rock a Roller dei Lynyrd Skynyrd, chiaramente un'influenza per il ragazzone dell'Indiana.

Ristampa rimasterizzata del disco dal vivo tratto dal tour a supporto dell'album Wrecking Ball con l'aggiunta di 4 brani inediti

DATA DI USCITA: 29 MAGGIO 2026
Dream Chaser è il 79° album da solista in studio di Willie Nelson e il suo 156° album in totale; si tratta di una nuova uscita che raccoglie una serie di brani introspettivi e ricchi di storie, incentrati sulle relazioni, sulla crescita personale e sulla vita in tour. Radicato nelle tradizioni classiche del songwriting ma con una prospettiva moderna, l’album coniuga racconti intimi con temi universali quali la perseveranza e la lucidità.

DATA DI USCITA: 5 GIUGNO 2026
8-Tracks raccoglie otto classici fondamentali selezionati dal periodo 1971–1979 dei Pink Floyd. La tracklist include successi immediatamente riconoscibili come ‘Money’, ‘Wish You Were Here’, ‘Another Brick in the Wall, Part 2’, ‘Time’ e ‘Comfortably Numb’, insieme a brani precedenti come ‘One Of These Days’ e ‘Wot’s… Uh The Deal’, oltre a una versione integrale esclusiva di ‘Pigs On The Wing’, precedentemente disponibile solo nella pubblicazione su cartuccia 8-track di Animals del 1977. La sequenza dei brani è stata curata da Steven Wilson per offrire un’esperienza di ascolto continua.
8-Tracks documenta appieno la fase di transizione dei Pink Floyd verso la loro epoca di consacrazione, che li ha portati alla fama mondiale nel corso degli anni Settanta. Gli otto anni celebrati da questa speciale pubblicazione comprendono musica tratta da alcuni dei dischi più acclamati e di maggior successo della band: Meddle (1971), Obscured by Clouds (1972), The Dark Side of the Moon (1973), Wish You Were Here (1975), Animals (1977) e The Wall (1979).
8-Tracks offre uno sguardo straordinario su questo incredibile periodo di creatività: un punto di partenza ideale per i nuovi ascoltatori che vogliono scoprire la profondità e l’ampiezza dell’impareggiabile catalogo dei Pink Floyd, ma anche una raccolta accuratamente curata che i fan di lunga data potranno apprezzare.

DATA DI USCITA: 19 GIUGNO 2026
CD + DVD. Joe Bonamassa ha annunciato l'imminente uscita di The Spirit Of Rory Live From Cork, un potente album dal vivo e film che immortala il suo tributo profondamente personale alla leggenda irlandese della chitarra blues Rory Gallagher, registrato durante una serie di concerti sold-out tenutisi la scorsa estate a Cork, in Irlanda, città natale di Gallagher. L'album uscirà il 19 giugno tramite l'etichetta di Bonamassa, la J&R Adventures.
Per Bonamassa, il progetto non è mai stato concepito come un semplice omaggio. La musica di Gallagher fa parte della sua vita fin dall'infanzia, e il peso di esibirsi a Cork, con la benedizione della famiglia di Rory e davanti a un pubblico che porta avanti la sua eredità in modo così personale, è stato qualcosa che ha sentito immediatamente. “Non ho mai avuto l’onore di incontrarlo, ma la sua musica e la sua maestria musicale hanno un ruolo fondamentale nella mia vita”, scrive Bonamassa in una prefazione personale che accompagna l’uscita. “Fin dalla prima volta che ho ascoltato Irish Tour ’74 sono rimasto affascinato dalla pura intensità di quell’uomo e dalla ferocia del suo approccio al blues elettrico.”
Quell’impatto è iniziato presto. “Ricordo quella voce e un timbro di chitarra unico che attraversavano le pareti della mia camera da letto quando ero molto giovane”, ricorda Bonamassa. “Mio padre, che mi ha fatto conoscere tanti dei grandi chitarristi della sua epoca, si è affrettato a incoraggiarmi ad ascoltare Rory e a cogliere ciò che potevo.”
Quello che era iniziato come un invito della famiglia Gallagher è diventato rapidamente qualcosa di molto più grande. «Dopo tutti questi anni, la famiglia di Rory mi ha chiesto di prendere in considerazione l’idea di eseguire alcuni dei suoi brani e di rendergli omaggio in una sala a Cork», scrive Joe Bonamassa. «Il solo pensiero mi spaventava. Sì, avevo paura persino di provarci, ma allo stesso tempo mi sentivo così onorato che la sua famiglia ritenesse che potessi essere all’altezza del compito». Piuttosto che cercare di reinventare il materiale, Bonamassa si è concentrato sull’affrontarlo con lo spirito giusto. “Ho sentito che il meglio che potessi sperare era di avvicinarmi al suo repertorio con umiltà e riverenza.”
dice Bonamassa. “Il pubblico in quelle tre serate era chiassoso, esuberante e Cork ha reso orgoglioso il suo figlio prediletto.” Il risultato è un documento dal vivo che sembra carico di quell’atmosfera: profondamente sentito, da brivido e radicato nel legame tra artista, pubblico e luogo.
Attraverso 14 brani selezionati con cura, The Spirit Of Rory Live From Cork esplora i molteplici aspetti del repertorio di Gallagher: dall’assalto travolgente di “Walk On Hot Coals” e “Bullfrog Blues” alla carica emotiva di “A Million Miles Away,” che fungerà da brano di punta dell’album al momento dell’uscita. Altri brani di spicco includono “Tattoo’d Lady,” “Bad Penny,” “I Fall Apart,” “Calling Card,” e “Cradle Rock,” ognuno eseguito con passione e convinzione, pur onorando la forma e l’anima degli originali.
L’uscita cattura anche diversi momenti che hanno avuto un significato speciale durante la serie di concerti a Cork, tra cui l’esecuzione di Bonamassa di “As The Crow Flies” sulla chitarra a risonatore National Triolian del 1930 di Gallagher, prestata dal Cork Public Museum. È stato un legame tangibile con l’artista la cui presenza incombe ancora così pesantemente sulla città e sulle generazioni di chitarristi che lo hanno seguito.
Ulteriori filmati, inclusi nelle edizioni in DVD e Blu-ray, arricchiscono la storia con materiale bonus, tra cui “The Inspiration of Rory”, con conversazioni con Brian May e Slash, insieme a “Rory’s Acoustic Guitar” e “Ballycotton – ‘A Million Miles Away’”. Insieme, le componenti audio e video offrono un quadro più completo di ciò che queste esibizioni hanno significato per Bonamassa, per la famiglia di Gallagher e per i fan che hanno riempito la sala sera dopo sera.
Alla fine, Bonamassa vede l’album come un’offerta: il miglior tentativo della sua band di onorare un musicista il cui lavoro ha contribuito a plasmare il suo. “Ciò che sentite in queste registrazioni è il nostro miglior sforzo per rendere omaggio a Rory Gallagher, un uomo che non ho mai incontrato, ma che ammiro profondamente”, scrive. “La sua musica è parte di me e sono grato che siamo stati in grado di contribuire in qualche modo alla sua eredità ancora viva”.

DATA DI USCITA: 19 GIUGNO 2026
CD + BLURAY. Joe Bonamassa ha annunciato l'imminente uscita di The Spirit Of Rory Live From Cork, un potente album dal vivo e film che immortala il suo tributo profondamente personale alla leggenda irlandese della chitarra blues Rory Gallagher, registrato durante una serie di concerti sold-out tenutisi la scorsa estate a Cork, in Irlanda, città natale di Gallagher. L'album uscirà il 19 giugno tramite l'etichetta di Bonamassa, la J&R Adventures.
Per Bonamassa, il progetto non è mai stato concepito come un semplice omaggio. La musica di Gallagher fa parte della sua vita fin dall'infanzia, e il peso di esibirsi a Cork, con la benedizione della famiglia di Rory e davanti a un pubblico che porta avanti la sua eredità in modo così personale, è stato qualcosa che ha sentito immediatamente. “Non ho mai avuto l’onore di incontrarlo, ma la sua musica e la sua maestria musicale hanno un ruolo fondamentale nella mia vita”, scrive Bonamassa in una prefazione personale che accompagna l’uscita. “Fin dalla prima volta che ho ascoltato Irish Tour ’74 sono rimasto affascinato dalla pura intensità di quell’uomo e dalla ferocia del suo approccio al blues elettrico.”
Quell’impatto è iniziato presto. “Ricordo quella voce e un timbro di chitarra unico che attraversavano le pareti della mia camera da letto quando ero molto giovane”, ricorda Bonamassa. “Mio padre, che mi ha fatto conoscere tanti dei grandi chitarristi della sua epoca, si è affrettato a incoraggiarmi ad ascoltare Rory e a cogliere ciò che potevo.”
Quello che era iniziato come un invito della famiglia Gallagher è diventato rapidamente qualcosa di molto più grande. «Dopo tutti questi anni, la famiglia di Rory mi ha chiesto di prendere in considerazione l’idea di eseguire alcuni dei suoi brani e di rendergli omaggio in una sala a Cork», scrive Joe Bonamassa. «Il solo pensiero mi spaventava. Sì, avevo paura persino di provarci, ma allo stesso tempo mi sentivo così onorato che la sua famiglia ritenesse che potessi essere all’altezza del compito». Piuttosto che cercare di reinventare il materiale, Bonamassa si è concentrato sull’affrontarlo con lo spirito giusto. “Ho sentito che il meglio che potessi sperare era di avvicinarmi al suo repertorio con umiltà e riverenza.”
dice Bonamassa. “Il pubblico in quelle tre serate era chiassoso, esuberante e Cork ha reso orgoglioso il suo figlio prediletto.” Il risultato è un documento dal vivo che sembra carico di quell’atmosfera: profondamente sentito, da brivido e radicato nel legame tra artista, pubblico e luogo.
Attraverso 14 brani selezionati con cura, The Spirit Of Rory Live From Cork esplora i molteplici aspetti del repertorio di Gallagher: dall’assalto travolgente di “Walk On Hot Coals” e “Bullfrog Blues” alla carica emotiva di “A Million Miles Away,” che fungerà da brano di punta dell’album al momento dell’uscita. Altri brani di spicco includono “Tattoo’d Lady,” “Bad Penny,” “I Fall Apart,” “Calling Card,” e “Cradle Rock,” ognuno eseguito con passione e convinzione, pur onorando la forma e l’anima degli originali.
L’uscita cattura anche diversi momenti che hanno avuto un significato speciale durante la serie di concerti a Cork, tra cui l’esecuzione di Bonamassa di “As The Crow Flies” sulla chitarra a risonatore National Triolian del 1930 di Gallagher, prestata dal Cork Public Museum. È stato un legame tangibile con l’artista la cui presenza incombe ancora così pesantemente sulla città e sulle generazioni di chitarristi che lo hanno seguito.
Ulteriori filmati, inclusi nelle edizioni in DVD e Blu-ray, arricchiscono la storia con materiale bonus, tra cui “The Inspiration of Rory”, con conversazioni con Brian May e Slash, insieme a “Rory’s Acoustic Guitar” e “Ballycotton – ‘A Million Miles Away’”. Insieme, le componenti audio e video offrono un quadro più completo di ciò che queste esibizioni hanno significato per Bonamassa, per la famiglia di Gallagher e per i fan che hanno riempito la sala sera dopo sera.
Alla fine, Bonamassa vede l’album come un’offerta: il miglior tentativo della sua band di onorare un musicista il cui lavoro ha contribuito a plasmare il suo. “Ciò che sentite in queste registrazioni è il nostro miglior sforzo per rendere omaggio a Rory Gallagher, un uomo che non ho mai incontrato, ma che ammiro profondamente”, scrive. “La sua musica è parte di me e sono grato che siamo stati in grado di contribuire in qualche modo alla sua eredità ancora viva”.

DATA DI USCITA: 12 GIUGNO 2026
Con un'aria graziosamente spettinata, Mike Campbell si fa strada lungo lo stretto corridoio degli Hocus Pocus Studios, ovvero il suo garage, superando file caleidoscopiche di chitarre elettriche vintage e una finestra che si affaccia su uno stormo di galline che schiamazzano, due enormi tacchini che gorgogliano e un maiale che grugnisce nel sonno. Si fa strada attraverso la sala di controllo con il mixer Neve, gli schermi dei computer e una serie disordinata di amplificatori, fino alla piccola stanza laterale che ospita il suo pianoforte verticale autografato da Little Richard, e si accomoda sul divano logoro sotto l'arazzo blu tie-dye che lo incornicia in innumerevoli video online, podcast e interviste. Tre allegri segugi sbavanti trotterellano dietro di lui come anatroccoli. Con un gesto della mano, li congeda. Si aggiusta la tesa del cappello floscio e lancia lo sguardo “e adesso?”.
“E adesso” è Mission of Mercy, il quarto album di Campbell con i Dirty Knobs, il collettivo affiatato di musicisti e compagni di viaggio che ha messo insieme con cura negli ultimi anni della sua precedente band, i Tom Petty and the Heartbreakers. Dopo la morte di Petty nel 2017, Campbell ha pubblicato nel 2020 Wreckless Abandon dei The Dirty Knobs, seguito nel 2022 dal vivace External Combustion di Mike Campbell & The Dirty Knobs, dopo aver esitato un po’ prima di accettare di mettere il suo nome davanti a quello della band. A questi è seguito l'eccellente Vagabonds, Virgins and Misfits del 2024.
Ogni uscita ha rappresentato un balzo in avanti che attingeva ampiamente dagli enormi archivi di musica inedita che il prolifico chitarrista aveva composto durante sessioni di scrittura quasi quotidiane per decenni. Più dure e trascinanti rispetto a gran parte del materiale successivo degli Heartbreakers, le canzoni bilanciavano l’amore di Campbell per il blues rock degli anni ’60 con la sua sorprendente facilità nel ritrarre personaggi teneri, nelle canzoni d’amore e nelle ballate. Il tranquillo Campbell si adattò a malapena al ruolo di frontman, cantante e cantautore, promuovendo gli album con tour estivi.
La strada portò una lotta umiliante ma gioiosa per costruirsi un pubblico, un'esperienza che Campbell non conosceva dal 1979 e dal successo strepitoso di Damn the Torpedoes degli Heartbreakers. Estate dopo estate, Campbell entrò in contatto con i vecchi fan, molti dei quali ancora alle prese con la morte di Petty, oltre a un numero crescente di nuovi fan attratti dal boogie chitarristico travolgente di Knobs. Dal centro del palco, Campbell ha visto sempre più persone cantare non solo le canzoni degli Heartbreakers che inseriva nei set, ma anche le sue. È stata una serie di viaggi curativi, letterali, attraverso il paese, con moglie e figli al seguito, che lo ha portato dal fondo dei cartelloni a tre atti a fare da spalla a The Who e Chris Stapleton e a essere headliner nei teatri in cui aveva sempre sperato di suonare.
Il suo ultimo album, Mission of Mercy, esplora e amplia ancora una volta il suono e lo stile che Mike Campbell ha contribuito a lanciare. Una raccolta di brani rock e riflessioni guidati dalla chitarra, suonati e registrati magnificamente, l'album vede Campbell allentare la presa sul boogie con incursioni nei bonghi, nei jazzbos e persino negli archi.
I Knobs, dal sound aggressivo, si sono stabilizzati e consolidati nella formazione attuale con un'aggiunta degna di nota: Steve Ferrone, il batterista swingante e meticoloso nato a Brighton che ha tenuto un ritmo costante per gli ultimi 20 anni e più degli Heartbreakers, è ora una presenza fissa dietro la batteria. Chris Holt, abile polistrumentista e cantante che lavora anche con gli Eagles, gruppo emergente di country rock, suona la seconda chitarra, le tastiere e offre armonie perfette. E il bassista Lance Morrison — che Campbell definisce “la nostra arma segreta” — mantiene il suo basso melodico e vibrante in perfetta sintonia con Ferrone.
“Ho una band fantastica”, dice Campbell. “Sono molto fortunato. Questo disco ha un po' di tutto. Voglio mostrare una certa crescita e correre qualche rischio”.